Note d'Arte - Intervista con F. Neriman Şairoğlu

COLLECIST · SANAT NOTLARI

Intervista con F. Neriman Şairoğlu

Il Coraggio Dietro le Superfici Lacerate

Intervista condotta da: Emin Kadıoğlu 

Neriman Şairoğlu, nel suo percorso artistico di oltre trent'anni, non ha mai esitato a mettere alla prova i confini della pittura astratta. Şairoğlu, che vede la tela non solo come una superficie, ma come un campo archeologico in cui emozione e memoria vengono scavate e portate alla luce, ha costruito un linguaggio originale nato dalla tensione tra rosso e nero. Nel 1996 ha fondato la Galleria Pura Art a Caddebostan, dal 1997 conduce ininterrottamente workshop in atelier, ha rappresentato l'arte turca in mostre e simposi internazionali. In questa intervista, abbiamo parlato di molti argomenti, dal primo tocco sulla tela alla ciclicità della vita, dall'esperienza di galerista alla sua visione dell'era digitale.

La Grammatica del Rosso, il Silenzio del Nero

Nei suoi lavori, il rosso e il nero sono diventati quasi una firma. Cosa significa per lei usare insieme questi due colori?

Mi piace molto la tensione tra questi due colori. Sono del segno dell'Ariete; fuoco, movimento e leadership sono nella mia natura. Il rosso per me significa fuoco e guerra, significa sangue. Il nero invece è morte. Cioè in realtà vita e morte insieme… Credo che l'una sia il gradino precedente dell'altra. È una relazione ciclica: tutto sale verso l'alto, succede qualcosa, si rinnova, si purifica e scende di nuovo.

Ha un ricordo particolare legato al rosso? Cosa la attrae verso questo colore?

Non ho un ricordo particolare ma il rosso si adatta direttamente al mio carattere. Sono una persona emozionata, l'avrà notato. Anche mentre parliamo qui sono emozionata. Il rosso porta questa emozione. Compro sempre un sacco di colore rosso, questo colore mi attrae. Il colore che mostra meglio il rosso è il nero. Il bianco compete con il rosso, ma il nero lo abbraccia.

E i bianchi che getta sopra?

I bianchi che getto sopra il rosso e il nero si chiamano ritmo. Nella pittura, senza ritmo nulla vive.

Lacerare la Tela: L'Archeologia della Memoria

La pittura è un'arte di superficie. Eppure lei vuole lacerare e attraversare quella superficie. Perché?

Io cerco la profondità. Voglio che la pittura buchi e attraversi il muro. Cerco la terza dimensione. Per questo, quando necessario lacero, quando necessario faccio sporgere, quando necessario chiudo. Nel momento in cui intervengo sulla superficie, uso tutte le possibilità per catturare quella terza dimensione che sto cercando.

Cosa succede nella sua mente in quel momento di intervento?

Mentre faccio questo, esco dalla mia identità di Neriman. Rimangono solo la mano e l'occhio. Dove portano mano e occhio, là porta la pittura. Poi faccio le correzioni necessarie, regolo di conseguenza come deve essere il ritmo. Cioè tutto succede sotto il diretto comando delle mie emozioni.

Questo lacerare potrebbe derivare dall'infanzia?

Vengo da una famiglia patriarcale. Sono figlia di un padre autoritario. Non sono mai stata una persona capace di litigare. Le cose che vorrei lacerare, distruggere e fare a pezzi dentro di me, le faccio a pezzi qui, sulla tela, si può dire. Queste sono tracce rimaste dall'infanzia; per quanto le si graffi, rimangono lì come macchie.

Ciclicità e Simbolismo: Forme che si Elevano al Cielo

Lei crede nella ciclicità. Come trasporta questo nei suoi dipinti?

Nel mondo nulla si perde. Va verso il cielo, si deforma, subisce cambiamenti e torna di nuovo da noi. Qualcosa gira continuamente tra terra e cielo, come l'anima, come la sua purificazione. Nei miei dipinti cerco di catturare questo ciclo. Dentro ci sono Freud, ci sono diavoli, ci sono guerre… C'è tutto.

Il Senza Titolo: Lo Spazio Lasciato allo Spettatore

La maggior parte delle sue opere porta il titolo 'Senza Titolo'. Perché?

Questo è uno spazio vuoto consapevole. Non dare un nome a un'opera significa non guidare lo spettatore. Poiché lavoro in modo astratto, l'opera è il riflesso del mio stato d'animo che rimbalza su di voi. Il nostro stato d'animo cambia sempre. A volte un colore caldo ci piace molto, a volte ci perdiamo in un colore freddo. Dato che cambia, non ho voluto rinchiudere l'opera in un nome.

Dal 1997 conduce ininterrottamente workshop in atelier. Qual è la cosa più importante che trasmette ai suoi studenti?

Sarete originali, sarete sinceri e sarete onesti verso il vostro lavoro. Realizzerete un'opera che appendereste nella vostra casa. Non permetto che esca un lavoro storto da qui. Questo processo va visto anche come l'avventura di un impegno trentennale. L'esperienza accumulata negli anni, l'energia degli studenti che sono passati dall'atelier e il desiderio di produrre, hanno trasformato questo processo da un semplice ambiente educativo in un vivace spazio di condivisione e sviluppo. Ogni nuovo lavoro, ogni nuovo studente e ogni nuova idea sono stati piccoli ma preziosi passi che ricordano che questo viaggio continua.
Oggi, guardando indietro, questo processo può essere visto anche come la storia di un viaggio che cresce non solo producendo opere, ma pensando insieme, imparando e con la sincerità dell'arte.

Come ha nutrito la sua arte l'insegnamento?

Sono una persona con un'empatia molto alta. Mi piace entrare nelle menti e creare arte lì. Dopo tre lezioni capisco su quale strada camminerà uno studente. Ognuno ha una storia da raccontare, ha un gusto. Io conosco quella persona e traccio un percorso di conseguenza. Ogni volta ci azzecco; lo studente dice 'Era questo che cercavo' e se lo porta via correndo.

Come mantenete un legame così duraturo?

La pittura e l'arte sono infinite. Bisogna passeggiare nell'infinito. Ogni giorno è un nuovo giorno, ogni giorno una nuova luce. Ogni giorno qualche parte di noi fa male, ogni giorno vediamo un po' più bello. Tutte queste cose possono diventare materiale per la pittura. Spargo intorno a me quello che vivo, quello che vedo; e queste cose che spargo non si allontanano dal mio fianco.

Tecnica: Quando Finisce un Lavoro?

La texture del colore nei suoi lavori è molto potente. Come lavora sulla tela?

Questo è un atelier di trent'anni; qui c'è tutto ciò che riguarda la pittura. Dalla tecnica di cancellatura alle varietà di texture, dalla tecnica di velatura alla costruzione di base tutto. Acquerello, olio, acrilico… Ma qui un lavoro esce da una persona, un singolo lavoro. Il lavoro di ognuno è unico.

Come capisce che un lavoro è finito?

Guardo tre cose. Prima, se l'equilibrio chiaro-scuro-medio è giusto o no. Seconda, se gli elementi che devono emergere sono emersi abbastanza. Terza, se rimane qualcosa da aggiungere sopra. Se è zero, è finito. Tutti e tre devono esserci insieme.

Tra Astratto e Concreto: Alla Ricerca dell'Originalità

Usa un linguaggio astratto ma nelle sue opere ci sono tracce dalla natura, dai tessuti, dalle forme organiche. Come bilancia questo?

Nella pittura astratta per me sono molto importanti la profondità, l'effetto del colore e il battito al cuore. Nei passaggi dei colori l'uno nell'altro, i movimenti interni delle forme naturali mi aiutano. Il movimento interno del tessuto, il suo andare a onde… Se dipingo piatto non viene così, non lo voglio. Quando è così arrivano le mie emozioni: ora sotto, ora sopra. L'arte pittorica è un'arte bidimensionale ma io lì cerco la terza dimensione. Quanto più va indietro, quanti più piani ha, tanto più è prezioso per me.

Una delle mie opere da capezzale che la profondità delle mie lunghe riflessioni e del mio lavoro hanno fatto emergere

Come hanno plasmato la sua concezione di originalità le esperienze all'estero?

Dal 2004 vado in America. Ho visitato tutti i musei LACMA, Norton Simon, San Diego. Ho esaminato uno per uno dall'arte eschimese all'arte indonesiana, dall'arte africana all'arte cinese e giapponese. Dopo questi studi ho capito che la cosa più importante è essere originali. Avere uno stile è molto importante e io cerco di preservare il mio stile, anche se a volte mi annoio.

Gestione Galleria e Mercato Artistico: Un'Esperienza Amara

Nel 1996 ha fondato la Galleria Pura Art a Caddebostan. Cosa la spinse a fare quel passo?

Mi sono laureata con una tesi di master di 250 pagine: 'Fattori che Dirigono l'Arte Pittorica Turca Contemporanea.' Il mio professore disse che ogni capitolo di questa tesi poteva essere una tesi di master a sé stante. Per mettere in pratica queste conoscenze mi sono avviata verso la gestione di gallerie. Ho fatto otto mostre quella stagione, ho fatto aprire mostre a nomi importanti da Basri Erdem a Hamit Görele.

L'arte per me è un'area magica e paradisiaca in cui vivere. 

Il Fiume dell'Arte: Non Ci Sono Più Grandi Navi

Può ancora emergere una nuova corrente artistica?

Secondo me non emerge più. Nel mondo digitale tutti vedono quello degli altri e fanno qualcosa di un po' diverso. Pensate come acqua che scorre in un grande fiume: una volta navigavano grandi navi, venivano seguite da dietro. Quelle navi erano le correnti. Ora non è così; piccole piccole cose, pezzi di quindici secondi, di sei secondi scorrono via. Esce il nuovo, scompare e se ne va. L'era delle grandi navi è finita. L'importante è riuscire a catturare quello diverso da ciò che è stato fatto.

Arte nell'Era Digitale: Trovare il Proprio Valore

Come vede la condivisione e vendita d'arte sulle piattaforme digitali?

Oggi non è molto possibile allontanarsi dal digitale. Applaudo chi riesce a farlo bene. Ma apparire ovunque, uscire… È come cadere in questo piede. Non bisogna trascurare l'arte. Non rifiuto il digitale, ma voglio che trovi il suo valore. Il valore dell'arte non deve essere rovinato, non deve essere diminuito.

Cosa Fa Fare il Primo Passo?

Cosa la mette in movimento quando inizia un nuovo lavoro?

Il colore. La prima cosa che mette in movimento è sempre il colore. Poi la mente si ritira. Rimangono solo mano e occhio. Attraverso la tela, non c'è nessuna mela né niente; iniziano le emozioni e il dipinto inizia a farsi da solo.

© Collecist – Scopri l'arte qui. collecist.com