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Dove la Luce Non Finisce: David Hockney e la Libertà del Vedere Attuale

Dove la Luce Non Finisce: David Hockney e la Libertà del Vedere

Dove la Luce Non Finisce: David Hockney e la Libertà di Vedere   David Hockney non ha mai ridotto l'arte a un oggetto di mercato. Piscine, luce, volti umani e le colline piovose dello Yorkshire erano tutte, per lui, manifesti di libertà. La storia di Hockney è il ritratto di un artista che non si adattava al sistema, che scriveva le proprie regole.   L'inizio degli anni '60 fu il periodo in cui il mondo dell'arte si modellava all'ombra dell'espressionismo astratto. Le enormi tele di Mark Rothko e Jackson Pollock avevano occupato le pareti dei musei e l'agenda dei critici d'arte. Colore e forma erano sufficienti; la figura umana era quasi considerata un peccato. Hockney non si piegò a questa pressione. Mentre la maggior parte dei suoi coetanei al Royal College of Art si orientava verso l'astratto, lui camminò nella direzione opposta. "Ho scelto consapevolmente di abbandonare l'espressionismo astratto e tornare alla figura" disse. Questa decisione era un'espressione non della sua carriera, ma della sua identità; e Hockney non tornò mai indietro da questa decisione. La serie Love Pictures emersa in questo periodo non era solo l'espressione poetica del desiderio omosessuale. Versi di Walt Whitman, graffiti copiati dai bagni della metropolitana, codici numerici e simboli scarabocchiati — tutto questo era l'alfabeto segreto di un artista che sfidava il sistema. Il "3.18" nel dipinto "Doll Boy" o il numero "138" in "Hairy Legs" non erano solo enigmi; erano l'unico modo sicuro di rivelare un'identità che in quel periodo era considerata un crimine. Quando mise piede per la prima volta a Los Angeles nel 1963, Hockney si trovò. Questa non è un'espressione esagerata; è un fatto biog...

IMPOLLINAZIONE ESTETICA Attuale

IMPOLLINAZIONE ESTETICA

Nel rumore dell'economia dell'apparenza, confrontarsi con la storia non è una scelta; diventa la condizione per la sopravvivenza estetica. Nella storia dell'arte, l'influenza non è mai stata pura imitazione. Quando i Romani rianimarono la mitologia greca, quando i maestri del Rinascimento interiorizzarono il canone della scultura antica o quando Picasso reinterpretò ripetutamente Las Meninas di Ve...

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"È Emin o Munch, Oppure Lo Stesso Grido?" Possono due artisti toccare la stessa ferita a un secolo di distanza? Ci sono ...

Come Prende Vita l'Essere Creator? Attuale

Come Prende Vita l'Essere Creator?

Come Sopravvive la Creator’sühip? Sulla Fragile Realtà di Essere Creator Indipendenti in Turchia 06 FEB 26 In Turchia essere creator non è ancora una professione; è per lo più un hobby, un’area di transizione o un’attesa abbandonata alla mercé degli algoritmi. In questo campo ancora non radicato, appena sbocciato, il vero problema non è la mancanza di talento, ma la mancanza di fondamenta. Ci sono creator, c’è produzione, ci sono persino spettatori; ma mancano quasi completamente spazi indipendenti che possano riunire questa triade in una struttura sostenibile. Proprio come accadde una volta alla curatela indipendente.   Quando il Potere Non è Distribuito, la Visibilità si Concentra nel Monopolio Oggi in Turchia l’ecosistema dei creator ruota in un cerchio ristretto attorno a poche grandi piattaforme, agenzie e collaborazioni con brand. La visibilità è affidata al successo algoritmico; il successo algoritmico è a sua volta consegnato a volti e formati ricorrenti. Questa situazione non significa solo un problema di concorrenza per i creator nuovi e indipendenti, ma un’esclusione strutturale.   La creatività, che dovrebbe portare con sé la pretesa di costruire la propria narrazione, viene progressivamente ridotta a “produzione di contenuti conformi”. Proprio come le biennali, che da spazio di lancio per curatori indipendenti si sono trasformate in area di prestigio aggiuntivo per dirigenti istituzionali.   Chi è un Creator Indipendente — Chi Non è Obbligato ad Essere? Il creator indipendente è; Chi non è costretto a parlare il linguaggio delle agenzie, Chi riman...

Sulle Forme del Ritorno Attuale

Sulle Forme del Ritorno

Sulle Forme del Ritorno Immaginiamo un piccolo ramo di pianta che ha perso le sue foglie in autunno.Il suo tronco è ancora in piedi, ma ora non è più concentrato sulla crescita, bensì sulle direzioni.Ogni braccio rappresenta una possibilità.Possibilità che sono state portate fino al punto finale, provate, esaurite.Su questi rami,c'è un piccolo insetto che, pur avendo le ali, sceglie di non volare....

“Quello che succede a una tazza.” Attuale

“Quello che succede a una tazza.”

“Quello che è successo a una tazza.” Meret Oppenheim, 1936 (La pelliccia del caffè + quello che è successo a una tazza = La nascita dell'Oggetto) Tutto iniziò con uno scherzo. 1936, Parigi. A un tavolo Picasso, Dora Maar e Meret Oppenheim. Picasso, guardando il braccialetto di pelliccia della Oppenheim, disse "Tutto può essere ricoperto di pelliccia." Oppenheim sorrise: "Anche questa tazza." E chiamò il cameriere: "Un po' più di pelliccia, per favore." Ma non era solo una battuta. Poco dopo Oppenheim prese davvero una tazza, un piattino e un cucchiaino — e li ricoprì tutti di pelliccia. Le diede anche un nome minimalista: OGGETTO. Quello che ne uscì non era né completamente una scultura, né completamente un servizio da tavola. Vuoi toccarlo ma non vuoi berci. Sensuale ma inquietante. Gentile ma selvaggio. Una tazza da tè divenne corporea in modo così esplicito per la prima volta. I surrealisti parlavano dell'inconscio, ma Oppenheim lo mise sul tavolo. Staccò un oggetto considerato femminile — la tazza — dalla sua funzione. La sottrasse al servizio, all'eleganza, all'"ospitalità". E lasciò lo spettatore solo con questa domanda: È ancora un oggetto, o è un desiderio? La morbidezza della pelliccia divora la dura porcellana. L'interno della tazza ora non è più per bere, ma per guardare. Quasi come un corpo capovolto: timido ma invitante. Tutta la sessualità nascosta sotto l'ordine moderno della tavola, diventa improvvisamente visibile. Quello che fece Oppenheim era semplice ma radicale:Prendere il quotidiano e renderlo inquietante.Scontrare natura e cultura.Incollare le fantasie che i...

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Parlare Accanto a Sé; Ritmo Fragile

  PARLARE ACCANTO; RITMO FRAGILE La Politica del Silenzio Attraverso Tempo, Spazio e Corpo   In un periodo in cui i confini tra cinema e pratica artistica contemporanea si offuscano, tre artisti provenienti da generazioni e geografie diverse—Ira Sachs, Béla Tarr e Karimah Ashadu—formano una linea comune di resistenza estetica: rendere monumentali i momenti ordinari della vita quotidiana, rendere v...