Dove la Luce Non Finisce:

David Hockney e la Libertà di Vedere

David Hockney non ha mai ridotto l'arte a un oggetto di mercato. Piscine, luce, volti umani e le colline piovose dello Yorkshire erano tutte, per lui, manifesti di libertà. La storia di Hockney è il ritratto di un artista che non si adattava al sistema, che scriveva le proprie regole.

L'inizio degli anni '60 fu il periodo in cui il mondo dell'arte si modellava all'ombra dell'espressionismo astratto. Le enormi tele di Mark Rothko e Jackson Pollock avevano occupato le pareti dei musei e l'agenda dei critici d'arte. Colore e forma erano sufficienti; la figura umana era quasi considerata un peccato.

Hockney non si piegò a questa pressione. Mentre la maggior parte dei suoi coetanei al Royal College of Art si orientava verso l'astratto, lui camminò nella direzione opposta. "Ho scelto consapevolmente di abbandonare l'espressionismo astratto e tornare alla figura" disse. Questa decisione era un'espressione non della sua carriera, ma della sua identità; e Hockney non tornò mai indietro da questa decisione.

La serie Love Pictures emersa in questo periodo non era solo l'espressione poetica del desiderio omosessuale. Versi di Walt Whitman, graffiti copiati dai bagni della metropolitana, codici numerici e simboli scarabocchiati — tutto questo era l'alfabeto segreto di un artista che sfidava il sistema. Il "3.18" nel dipinto "Doll Boy" o il numero "138" in "Hairy Legs" non erano solo enigmi; erano l'unico modo sicuro di rivelare un'identità che in quel periodo era considerata un crimine.

Quando mise piede per la prima volta a Los Angeles nel 1963, Hockney si trovò. Questa non è un'espressione esagerata; è un fatto biografico. Dopo l'atmosfera tetra di Bradford e l'ambiente artistico competitivo di Londra, la California gli offrì un mondo che rendeva possibili il colore, la luce e l'identità aperta.

Piscine, case californiane, la rifrazione del sole sulla superficie dell'acqua — i dipinti di questo periodo di Hockney non erano solo descrizioni di paesaggi. Erano un'indagine profonda sulla transitorietà della vita moderna e allo stesso tempo una celebrazione esistenziale. Quella colonna d'acqua bianca in A Bigger Splash rappresentava un momento che svaniva in due secondi; Hockney trascorse due settimane per trasferire quel momento sulla tela. Questo era il simbolo del rispetto dell'artista per il tempo e l'esperienza momentanea.

Hockney non si è mai rinchiuso in un singolo materiale, una singola forma o un singolo periodo. Il viaggio della carriera che si estende dai collage fotografici Polaroid ai disegni iPad, dall'incisione al design scenico, è la prova che la sua curiosità non si è mai prosciugata. Nei collage fotografici che chiamò "Joiners" scompose e ricompose tempo e prospettiva; portò la porta che Cézanne aveva aperto al cubismo nell'era digitale.

I dipinti iPad sorpresero una parte del mondo dell'arte, mentre per Hockney erano solo un nuovo pennello. Lo strumento era cambiato, ma l'occhio era lo stesso occhio: curioso, insistente e determinato a cercare la bellezza ovunque.

Le opere di Hockney oggi vengono vendute a prezzi record nelle sale d'asta. "Pool with Two Figures" fu valutata 90,3 milioni di dollari nel 2018. Ma guardando la carriera di Hockney, si vede che queste cifre derivano dalle relazioni che l'artista stesso ha costruito, dalla condivisione diretta e dall'insistenza nel rimanere indipendente dal sistema commerciale.

Anche noi di Collecist vediamo questo: la vera cultura del collezionismo passa dall'avvicinare la produzione di un artista alle persone, non ai meccanismi di mercato. Hockney, finché è vissuto, ha mantenuto un dialogo diretto con il suo pubblico. Oggi è possibile — e necessario — creare questo in ambiente digitale, senza commissioni e senza intermediari.

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