Заметки об искусстве - Беседа с Ф. Нериман Шаироглу

COLLECIST · ЗАМЕТКИ ОБ ИСКУССТВЕ

Интервью с Ф. Нериман Шаироглу

Смелость за разорванными поверхностями

Интервью провел: Эмин Кадиоглу 

Нериман Шаироглу - имя, которое за более чем тридцатилетний путь в искусстве никогда не отступало от испытания границ абстрактной живописи. Шахироглу, рассматривающая холст не только как поверхность, но и как археологическое поле, где выкапываются и обнажаются чувства и память, создала оригинальный язык, рожденный из напряжения красного и черного. В 1996 году она основала галерею Pura Art в Джаддебостан, с 1997 года непрерывно ведет мастерские, представляла турецкое искусство на международных выставках и симпозиумах. В этом интервью мы говорили о многих темах - от первого прикосновения к холсту до цикличности жизни, от опыта галериста до взгляда на цифровую эпоху.

Грамматика красного, тишина черного

В ваших работах красный и черный стали почти подписью. Что означает для вас использование этих двух цветов вместе?

Мне очень нравится напряжение между этими двумя цветами. Я - Овен; огонь, движение и лидерство есть в моей природе. Красный для меня означает огонь и войну, кровь. Черный же - смерть. То есть на самом деле жизнь и смерть вместе... Я верю, что одно является предыдущей ступенью другого. Это циклические отношения: все идет вверх, что-то происходит, обновляется, очищается и снова спускается вниз.

Есть ли у вас особое воспоминание, связанное с красным? Что привлекает вас к этому цвету?

Особого воспоминания нет, но красный прямо подходит моему характеру. Я взволнованный человек, вы наверное заметили. Даже сейчас, когда говорю здесь, я взволнована. Красный несет это волнение. Всегда покупаю много красной краски, меня привлекает этот цвет. А цвет, который лучше всего показывает красный - черный. Белый соперничает с красным, но черный его обнимает.

А белые мазки, которые вы наносите поверх?

Белые мазки, которые я наношу поверх красного и черного, называются ритмом. В картине без ритма ничто не живет.

Разрывая холст: археология памяти

Живопись - искусство поверхности. Но вы хотите разорвать и пройти через эту поверхность. Почему?

Я ищу глубину. Хочу, чтобы картина проткнула стену и прошла насквозь. Я ищу третье измерение. Для этого при необходимости разрываю, при необходимости выношу вперед, при необходимости закрываю. В тот момент, когда я вмешиваюсь в поверхность, использую все возможности, чтобы поймать третье измерение, которое я ищу.

Что происходит в вашем сознании в момент этого вмешательства?

Когда я это делаю, выхожу из своей личности Нериман. Остаются только рука и глаз. Куда рука и глаз ведут картину, туда она и идет. Потом делаю необходимые коррективы, подстраиваю ритм согласно тому, каким он должен быть. То есть все происходит прямо под командой моих чувств.

Может ли это разрывание идти из детства?

Я из патриархальной семьи. Я дочь авторитарного отца. Я совсем не умею ссориться. Можно сказать, что то, что я хочу разорвать, сломать, разорвать на части внутри себя, я разрываю здесь, на холсте. Это следы из детства; сколько ни скреби, стоят там, как пятно.

Цикличность и символизм: формы, возносящиеся к небу

Вы верите в цикличность. Как вы переносите это в свои картины?

В мире ничто не пропадает. Идет в небо, деформируется, подвергается изменениям и снова приходит к нам. Между землей и небом что-то кружится, как душа, как ее очищение. Я пытаюсь поймать этот цикл в своих картинах. В них есть Фрейды, есть дьяволы, есть войны... Все есть.

Безымянность: пространство, оставленное зрителю

Большинство ваших произведений носит название "Без названия". Почему?

Это сознательная пустота. Не давать произведению название означает не направлять зрителя. Поскольку я работаю абстрактно, произведение - это отражение настроения души, которое ударяется туда и приходит к вам. Наше настроение всегда меняется. Иногда нам очень нравится теплый цвет, иногда мы теряемся в холодном цвете. Поскольку оно меняется, я не захотела загонять произведение в рамки какого-то названия.

С 1997 года вы непрерывно ведете мастерскую. Что самое основное вы передаете своим ученикам?

Будете оригинальными, будете искренними и будете честны по отношению к своей работе. Создадите работу, которую повесите у себя дома. Не позволяю выходить некачественной работе. Этот процесс нужно рассматривать отчасти и как приключение 30-летнего труда. Опыт, накопленный за годы, энергия и желание творить учеников, прошедших через мастерскую, превратили этот процесс из простого образовательного пространства в живую среду обмена и развития. Каждая новая работа, каждый новый ученик и каждая новая идея стали небольшими, но ценными шагами, напоминающими о том, что это путешествие продолжается.
Сегодня, оглядываясь назад, этот процесс можно рассматривать не только как историю создания произведений, но и как рассказ о путешествии совместного размышления, обучения и роста с искренностью искусства.

Как преподавание питало ваше искусство?

Я человек с очень высокой эмпатией. Люблю входить в умы и там создавать искусство. После трех уроков понимаю, по какому пути пойдет ученик. У каждого есть история для рассказа, есть вкус. Я узнаю этого человека и прокладываю для него соответствующий путь. Каждый раз попадаю в точку; ученик говорит "Это то, что я искал" и бежит забирать.

Как вы поддерживаете такую долгосрочную связь?

Живопись и искусство бесконечны. Нужно гулять внутри бесконечности. Каждый день - новый день, каждый день - новый свет. Каждый день что-то у нас болит, каждый день мы видим немного красивее. Все это может стать материалом для живописи. Я рассеиваю вокруг себя то, что переживаю, что вижу; и то, что я рассеиваю, не уходит от меня.

Техника: когда работа заканчивается?

Текстура краски в ваших работах очень сильная. Как вы работаете на холсте?

Здесь тридцатилетняя мастерская; есть все, что связано с живописью. От техники стирания до разновидностей текстур, от техники глазури до подготовки основы. Акварель, масляная краска, акрил... Но здесь одна работа выходит от одного человека, единственная работа. Работа каждого своеобразна.

Как вы понимаете, что работа закончена?

Смотрю на три вещи. Первое - правильный ли баланс светлого-темного-среднего. Второе - достаточно ли выступают вперед элементы, которые должны выступать. Третье - осталось ли что-то для добавления. Если все равно нулю, значит закончена. Все три должны быть вместе.

Между абстрактным и конкретным: в погоне за оригинальностью

Вы используете абстрактный язык, но в ваших произведениях есть следы природы, ткани, органических форм. Как вы это балансируете?

В абстрактной живописи для меня очень важны глубина, воздействие цвета и удар по сердцу. В переходах цветов друг в друга мне помогают движения естественных форм внутри себя. Движение ткани внутри себя, волнообразное течение... Когда крашу ровно, так не получается, не хочу этого. Когда получается так, приходят мои чувства: то внизу, то вверху. Живопись - двумерное искусство, но я ищу там третье измерение. Чем больше уходит назад, чем больше планов, тем ценнее для меня.

Одна из моих работ у изголовья, которую создали глубина долгих размышлений и труд, которые я переживала

Как ваш зарубежный опыт сформировал ваше понимание оригинальности?

С 2004 года езжу в Америку. Обошла LACMA, Norton Simon, все музеи в Сан-Диего. Изучила все по отдельности - от эскимосского искусства до индонезийского, от африканского до китайского и японского искусства. После этих изучений поняла, что самое важное - быть оригинальным. Очень важно иметь стиль, и я стараюсь сохранить свой стиль, хотя иногда скучаю.

Галерейное дело и арт-рынок: горький опыт

В 1996 году вы основали галерею Pura Art в Джаддебостан. Что подтолкнуло вас сделать этот шаг?

Закончила с дипломной работой на 250 страниц: "Факторы, направляющие современное турецкое изобразительное искусство". Мой преподаватель сказал, что каждая глава этой работы могла бы стать отдельной дипломной работой. Чтобы воплотить эти знания в жизнь, пошла по пути галерейного дела. Провела восемь выставок в тот сезон, организовала выставки для достойных имен от Басри Эрдема до Хамита Гереле.

Искусство для меня - магическая область, как рай, в котором живешь. 

Река искусства: больше нет больших кораблей

Может ли теперь появиться новое художественное течение?

По-моему, уже не появится. В цифровом мире каждый видит работы друг друга и делает немного другое. Представьте как воду, текущую в большой реке: раньше плыли огромные корабли, за ними наблюдали. Эти корабли были течениями. Сейчас не так; маленькие вещи, пятнадцатисекундные, шестисекундные кусочки текут. Появляется новое, исчезает и уходит. Эпоха больших кораблей закончилась. Важно суметь поймать то, что отличается от уже сделанного.

Искусство в цифровую эпоху: найти свою ценность

Как вы смотрите на обмен и продажу искусства на цифровых платформах?

В наше время отдаляться от цифрового не очень возможно. Аплодирую тому, кто умеет делать хорошо. Но быть везде видимым, появляться... Это как упасть на ноги. Нельзя игнорировать искусство. Я не отвергаю цифровое, но хочу, чтобы оно нашло свою ценность. Ценность искусства не должна быть изношена, уменьшена.

Что заставляет сделать первый шаг?

Что побуждает вас к действию, когда вы начинаете новую работу?

Цвет. Первое побуждение к движению - всегда цвет. Потом разум отступает. Остаются только рука и глаз. Прохожу холст, нет ни яблока, ничего; начинаются чувства и картина начинает делать себя сама.

© Collecist – Открывайте искусство здесь. collecist.com