"Emin ou Munch, Ou le Même Cri ?"

Deux artistes à un siècle d'intervalle peuvent-ils toucher à la même blessure ?

Il existe certains artistes qui vous mettent mal à l'aise quand vous regardez leurs œuvres. Vous voulez détourner les yeux mais vous ne le pouvez pas. Tracey Emin et Edvard Munch créent exactement cet effet  l'un depuis les fjords froids de Norvège au début du vingtième siècle, l'autre depuis le Londres du vingt et unième siècle. Plus de cent ans les séparent, mais ils font tous les deux la même chose : ils se vident l'âme. Et sans aucun filtrage.

Le Cri de Munch, le Lit d'Emin

Tout le monde connaît "Le Cri" de Munch. Ce ciel rougeâtre, ces lignes ondulantes, cette figure à la bouche ouverte. Mais le véritable génie de Munch ne réside pas dans sa visualisation de l'angoisse  mais dans le fait qu'il la rend contagieuse. Quiconque regarde le tableau entend ce cri. Le corps frémit. C'est une expérience qui dépasse la peinture.

Emin, elle, le fait avec un autre langage. Dans "My Bed", œuvre pour laquelle elle fut nominée au Prix Turner en 1998, elle a transporté son vrai lit  avec ses sous-vêtements, ses mégots de cigarettes, ses bouteilles vides et ses draps froissés  dans l'espace de la galerie. Il n'y a ici ni coup de pinceau ni palette de couleurs. Seulement une réalité nue. Et tout comme "Le Cri" de Munch, elle entraîne le spectateur dans cet instant.

Tous deux refusent l'ornement. Tous deux renversent l'attente du "bel art". Et tous deux font réfléchir en mettant le spectateur mal à l'aise.

Sexualité : Attraction ou Destruction ?

Le tableau "Madone" de Munch est une image qui à la fois sacralise et rend dangereuse la sexualité. La figure féminine est présentée avec un nom emprunté à l'iconographie chrétienne mais son langage corporel est entièrement terrestre  les yeux fermés, les cheveux en désordre, l'expression portant à la fois plaisir et douleur. Munch transforme ici la sexualité d'un simple objet de désir en une expérience existentielle.

Emin, elle, utilise la sexualité comme matériau autobiographique. Dans son œuvre-tente "Everyone I Have Ever Slept With 1963–1995", elle a brodé sur la surface intérieure de la tente le nom de tous ceux avec qui elle a partagé un lit de sa naissance à trente-deux ans  amants, membres de la famille, amis d'enfance inclus. Le titre est intentionnellement provocateur : le verbe "coucher" évoque le sexe mais l'œuvre va bien au-delà. Emin dresse ici la carte de l'intimité, de la proximité et de la vulnérabilité.

Les deux artistes sortent la sexualité du tabou pour la placer au centre de l'expérience humaine. Mais en faisant cela, ils ne la romantisent ni ne l'exploitent. Au contraire, ils montrent simultanément la fragilité, la force et la contradiction qui sont en elle.

L'Esprit du Temps, le Corps de l'Artiste

Quand nous rapprochons ces deux artistes, nous pouvons lire non seulement leurs similitudes thématiques, mais aussi l'esprit de leurs époques.

Munch a créé dans l'Europe de la fin du dix-neuvième siècle. L'industrialisation s'accélérait, les villes grandissaient, l'individu se perdait dans la foule. Tandis que les pertes familiales, la maladie et la pauvreté façonnaient l'histoire personnelle de Munch, les transformations sociales de l'époque ont aussi imprégné ses œuvres. Sa mélancolie est autant collective qu'individuelle  elle dresse un portrait de l'aliénation de l'homme moderne.

Emin est l'artiste du capitalisme tardif, du culte de l'individualité et de l'ère de la confession d'avant les réseaux sociaux. Son entrée dans le monde de l'art en tant que femme issue de la classe ouvrière britannique est en soi un défi. La personnalité audacieuse de ses œuvres coïncide avec l'idéologie "raconte ton histoire" de l'époque, mais Emin refuse de la transformer en un récit commercialisable. Sa douleur reste brute, sans vernis et non arrangée.

Peur et Angoisse : Un Langage Primitif

L'œuvre néon d'Emin de 2019 "I Am The Last of My Kind" est une des expressions les plus dépouillées de l'artiste. Cette phrase écrite en lettres brillantes porte à la fois une confession personnelle et une inquiétude d'espèce. Emin ne rattache pas ici la peur et l'angoisse à une cause précise  elle les présente comme des états fondamentaux de l'être humain.

Munch a fait de même. Nous ne pouvons savoir pourquoi la figure du "Cri" pousse ce cri. Y a-t-il une guerre, une perte, ou simplement le poids de l'existence ? Munch ne nous donne pas de raison car l'angoisse n'a pas besoin de raison. Elle existe déjà dans les profondeurs du corps et de l'esprit.

Voilà le lien le plus fort qui unit Emin et Munch : tous deux n'expliquent pas l'émotion, ils la font vivre. Il n'y a pas de thèse dans leur art, il y a un sentiment. Et ce sentiment frappe avec la même violence même cent ans après.

Les œuvres de ces deux artistes nous rappellent ceci : l'art n'est pas obligé de produire de la beauté. Parfois l'art le plus puissant est celui qu'il est le plus difficile de regarder.