Culture

L'image n'est pas une propriété Actuel

L'image n'est pas une propriété

Matériau, propriété et voir : une note artistique Quand nous regardons un tableau, nous pensons savoir ce que nous regardons : un visage, un paysage, une corbeille de fruits. Pourtant, ce que nous regardons, c'est aussi avec quoi c'est fait. Le matériau se tient silencieusement sous l'image et dit souvent plus que l'image : qui l'a produite, avec quels moyens. Nous ne le remarquons guère, car nous considérons le matériau comme naturel. Pourtant le matériau est un choix ; souvent aussi une nécessité. Regardons encore le Gainsborough de la couverture de cette page, Mr and Mrs Andrews. Pendant des années nous avons lu ce tableau comme une représentation de la nature : un couple assis sous l'arbre, derrière eux une campagne anglaise éclairée. John Berger, dans Ways of Seeing, brise cette lecture confortable — le tableau ne peint pas la nature, mais la propriété. Le couple Andrews ne se tient pas dans le paysage, mais devant la terre qu'ils possèdent ; leur posture, leurs regards, ce fusil sous le fauteuil, tout est une déclaration d'appartenance. Et ce qui le dit, ce n'est pas seulement la pose ; c'est le matériau lui-même. Car pendant des siècles, la peinture à l'huile était la peinture du tangible. Elle pouvait montrer l'éclat de la fourrure, la froideur de l'argent, le poids de la chair ; elle rendait l'objet presque palpable. Selon les mots de Berger, la peinture à l'huile était la langue des choses possédables : peindre quelque chose avec elle, c'était en quelque sorte l'acquérir. C'est pourquoi la grande toile, la peinture épaisse, le pigment coûteux n'ont jamais été seulement du matériau ; c'était une frontière qui dessinait à l'avance qui pouvait produire de l'image. Passons maintenant de l'autre côté de la frontière. Ces derniers jours, lors d'un appel ouvert, un p...

Quand l'art se transforme-t-il en spectacle ? Actuel

Quand l'art se transforme-t-il en spectacle ?

De la révolution esthétique à l'économie de l'expérience : l'impasse de l'ère biennale En regardant aujourd'hui à nouveau le tableau d'Eugène Delacroix La Liberté guidant le peuple, nous ne voyons pas seulement une révolution. Nous voyons un seuil. Le moment où un régime esthétique entre en déchirant un autre régime esthétique. Au premier plan, il y a des cadavres. Il y a de la saleté. Il y a la r...

Chrome de Fourrure Actuel

Chrome de Fourrure

Le voyage de huit siècles d'un chien à travers les classes. Il était une fois de petits chiens poilus qui se tenaient au...

Probabilité Actuel

Probabilité

Probabilité Dans l'ego de l'artiste pourquoi quelqu'un d'autrene peut-il jamais trouver refuge ? Dans le regard d'un artiste sur un autre artiste, il y a toujours une étrange vibration. Admiration, jalousie, curiosité - la plupart du temps tout cela vit simultanément, dans le même regard. Et nommer cette vibration "jalousie" la laisse incomplète, car ce qui se passe ici est quelque chose de plus précis : l'artiste ne jalouse pas l'autre artiste. Il jalouse la probabilité qu'il puisse prendre sa place. Cette distinction peut paraître petite mais elle change tout. La jalousie est un sentiment, la probabilité est une menace existentielle. Et face à cette menace, l'ego produit des réactions très différentes - souvent la production, parfois la violence, parfois les deux à la fois.   L'ego a besoin d'un miroir pour pouvoir se définir. Un autre artiste est la version la plus proche et la plus dangereuse de ce miroir car il travaille avec un matériau similaire, une prétention similaire. Mais le miroir est dangereux car il reflète faussement. Le reflet qu'attend l'ego d'un grand artiste est clair : je suis ici, je suis au centre, mon style est la forme que l'art peut prendre. Un autre artiste brise ce reflet. Il a aussi son style, il a aussi sa prétention, il a aussi son public. Et le plus insupportable : peut-être demain, son œuvre prendra la place de la tienne. Cette probabilité concrète est le véritable ennemi de l'ego.   Peinture à l'huile du 16ème siècle de Caravaggio, dépeignant le beau jeune Narcisse de la mythologie grecque tombant amoureux de son propre reflet. (Galleria Nazionale d'Arte Antica, Rome) L'artiste ne jalouse pas l'autre artiste. Il jalouse la probabilité qu'il puisse prendre sa place.     L'histoire est pleine d'artistes qui ont eu du mal à vivre avec cet...

POLLINISATION ESTHÉTIQUE Actuel

POLLINISATION ESTHÉTIQUE

Dans le bruit de l'économie de l'apparence, affronter l'histoire n'est plus un choix ; cela devient la condition de la survie esthétique. Dans l'histoire de l'art, l'influence n'a jamais été une simple imitation. Lorsque les Romains ont ravivé la mythologie grecque, lorsque les maîtres de la Renaissance ont intériorisé le canon de la sculpture antique, ou lorsque Picasso a réinterprété maintes fo...

La Lumière Ne Finit Jamais : David Hockney et la Liberté de Voir Actuel

La Lumière Ne Finit Jamais : David Hockney et la Liberté de Voir

Là où la Lumière Finit : David Hockney et la Liberté de Voir   David Hockney n'a jamais réduit l'art à un objet de marché. Les piscines, la lumière, les visages humains et les collines pluvieuses du Yorkshire, tout cela constituait pour lui une déclaration de liberté. L'histoire de Hockney est le portrait d'un artiste qui ne rentrait pas dans le système et qui écrivait ses propres règles.   Le début des années 1960 était une époque où le monde de l'art se façonnait sous l'ombre de l'expressionnisme abstrait. Les toiles gigantesques de Mark Rothko et Jackson Pollock avaient envahi les murs des musées et l'agenda des critiques d'art. La couleur et la forme suffisaient ; la figure humaine était presque considérée comme un péché. Hockney ne céda pas à cette pression. Alors que la plupart de ses pairs au Royal College of Art se tournaient vers l'abstrait, il marcha dans la direction opposée. "J'ai consciemment choisi d'abandonner l'expressionnisme abstrait et de revenir à la figuration" dit-il. Cette décision était l'expression non pas de sa carrière, mais de son identité ; et Hockney ne revint jamais sur cette décision. La série Love Pictures qui émergea à cette époque n'était pas seulement l'expression poétique du désir homosexuel. Des vers de Walt Whitman, des graffitis copiés dans les toilettes du métro, des codes numériques et des symboles gribouillés — tout cela constituait l'alphabet secret d'un artiste défiant le système. Le "3.18" dans le tableau "Doll Boy" ou le numéro "138" dans "Hairy Legs" n'étaient pas seulement des énigmes ; c'était la seule façon sûre de révéler une identité considérée comme criminelle à l'époque. Lorsque Hockney posa le pied à Los Angeles pour la première fois en 1963, il se trouva là-bas. Ce n'est pas une expression exagérée ; c'est une réa...

Actuel

"Est-ce Emin ou Munch, ou le même Cri ?"

"Emin ou Munch, Ou le Même Cri ?" Deux artistes à un siècle d'intervalle peuvent-ils toucher à la même blessure ? Il existe certains artistes qui vous mettent mal à l'aise quand vous regardez leurs œuvres. Vous voulez détourner les yeux mais vous ne le pouvez pas. Tracey Emin et Edvard Munch créent exactement cet effet  l'un depuis les fjords froids de Norvège au début du vingtième siècle, l'autre...

Des Formes du Retour Actuel

Des Formes du Retour

Sur les Formes du Retour Pensons à une petite branche de plante qui a perdu ses feuilles en automne.Son tronc est encore...

Quand le Regard se Ferme : Le Silence de Méduse Actuel

Quand le Regard se Ferme : Le Silence de Méduse

Quand Méduse ferme les yeux, le moment le plus bruyant du mythe se tait aussi. Il ne reste ni cri ni regard qui taille la pierre. La tête de femme qui nous apparaît dans l'œuvre de Wilhelm Trübner de 1891 intitulée Une Tête de Gorgone (Gorgonenhaupt) ne se dresse pas au sommet de l'horreur ; elle se tient au seuil du silence. Sa langue dépasse légèrement, ses cheveux se courbent comme des serpents dans un vide sombre et atmosphérique ; mais ces courbes n'attaquent pas, ne menacent pas. À cet instant où le regard se ferme, Méduse n'est plus le monstre du mythe, elle devient un visage qui porte le poids du récit. Ce qui incombe au spectateur, ce n'est pas de la regarder ; c'est de rester seul avec son propre regard à sa place. Méduse ou sous sa forme réprimée, au nom effacé, Mélissa a été l'objet d'une déformation systématique pendant des siècles dans le récit mythologique. Qu'une femme ayant subi la violence de Poséidon soit punie par Athéna ; que la faute soit arrachée au coupable et chargée sur le corps, le visage et le regard, voilà le mensonge fondamental du mythe. La transformation de Méduse en monstre est le produit de la mémoire du pouvoir, non de la justice. Le tableau de Trübner ne crie pas contre cette mémoire ; il la dissout de l'intérieur. Cette Méduse n'est ni en colère ni sur la défensive. Elle est dans un état engourdi, stupéfiant, presque semblable à un rêve. La légère sortie de la langue évoque plutôt une suspension entre le conscient et l'inconscient qu'un moment de mort. Ce n'est pas une résignation ; c'est une pause qui coupe la vitesse du récit. En réalité, Méduse ne regarde pas. Quand le regard se ferme, le spectateur ne se sent pas en sécurité pour la première fois. Car quand la menace disparaît, il ne reste que la responsabilité. Dans la Méduse de...

David Lynch: Le Génie Visuel qui Écrit la Poésie des Ténèbres Actuel

David Lynch: Le Génie Visuel qui Écrit la Poésie des Ténèbres

David Lynch : Le Génie Visuel Qui Écrivait la Poésie des Ténèbres Après un Artiste Qui Dansait aux Frontières de la Réalité Nous avons perdu David Lynch. Mais ce qui reste n'est pas seulement un héritage—c'est un langage visuel gravé dans notre inconscient collectif, troublant, envoûtant et tout aussi libérateur. Le Cinéma à Travers l'Œil du Peintre La plupart des réalisateurs tournent leurs films...

Confronter l'Image après Rainer Actuel

Confronter l'Image après Rainer

Après Rainer Régler ses comptes avec l'image Arnulf Rainer, 1929–2025 L'artiste autrichien Arnulf Rainer, connu pour sa ...

Créer Sans Objets L'Art Peut-il Exister Sans Œuvre d'Art ? Actuel

Créer Sans Objets L'Art Peut-il Exister Sans Œuvre d'Art ?

Au début des années 1990, un événement étrange se produit dans une galerie d'art de New York. L'artiste d'origine thaïlandaise Rirkrit Tiravanija vide complètement la galerie. Il installe un réchaud dans un coin et commence à préparer du Pad Thai pour les visiteurs. Gratuitement. Aucun tableau à vendre, aucune sculpture à exposer. Le lendemain, la galerie redevient vide, il ne reste rien. Alors, était-ce de l'art ? Cuisiner peut-il être de l'art ? Cette œuvre de Tiravanija a révolutionné le monde de l'art. Car il n'y avait pas d'"œuvre" au sens classique du terme. Il n'y avait pas d'objet qu'on pouvait acheter. Mais l'expérience vécue par ceux qui sont venus à la galerie ce soir-là, le repas qu'ils ont partagé, les conversations qu'ils ont eues - tout cela avait-il moins de valeur qu'une œuvre d'art ? Le curateur français Nicolas Bourriaud a appelé ce type de travaux "esthétique relationnelle". Selon lui, l'art ne consiste plus tant à produire des objets qu'à créer des relations entre les personnes. Alors qu'un tableau reste suspendu dans son cadre, la nourriture de Tiravanija rassemblait les gens, les faisait parler, partager. L'artiste allemand Joseph Beuys avait dit des années auparavant "Tout le monde est un artiste". C'est peut-être ce qu'il voulait dire : la créativité ne se limite pas à accrocher des tableaux aux murs des galeries. Façonner les relations sociales est aussi une forme d'art. Le Manifeste qui ne finit jamais Le designer Bruce Mau a publié en 1998 son fameux texte "Manifeste Inachevé pour la Croissance". Remarquez la contradiction dans le titre : comment peut-on avoir un manifeste inachevé ? La réponse de Mau est tranchante : "L'achèvement, c'est la mort." Quand vous considérez une œuvre d'art comme "terminée" et que vous l'encadrez, vous la figez,...

Le Monde de l'Art a-t-il Perdu son Intelligence ? Actuel

Le Monde de l'Art a-t-il Perdu son Intelligence ?

Entre natifs numériques, intelligence artificielle et intelligence collective : un regard sur l'avenir algorithmique de l'art turc. Un article publié en fin d'année en Angleterre s'est retrouvé au centre des questions d'"intelligence" du monde de l'art. L'article de Jenny Wu dans ArtReview débattait du langage et de l'intelligence du monde de l'art, du jargon International Art English (IAE) aux co...

Ateşten Rüzgara Collage

Ateşten Rüzgara

Les Sculptures Céramiques de JiSook Jung Donnent Vie aux Éléments JiSook Jung est devenue un point focal important dans ...