Wo das Licht endet:

David Hockney und die Freiheit des Sehens

David Hockney reduzierte die Kunst niemals auf einen Marktgegenstand. Schwimmbäder, Licht, menschliche Gesichter und die regnerischen Hügel von Yorkshire – all das waren für ihn Manifeste der Freiheit. Hockneys Geschichte ist das Porträt eines Künstlers, der nicht ins System passte und seine eigenen Regeln schrieb.

Die frühen 1960er Jahre waren die Zeit, als sich die Kunstwelt im Schatten des abstrakten Expressionismus formte. Mark Rothkos und Jackson Pollocks riesige Leinwände hatten die Museumswände und die Agenda der Kunstkritiker besetzt. Farbe und Form reichten aus; die menschliche Figur galt als beinahe sündhaft.

Hockney beugte sich diesem Druck nicht. Während sich die meisten seiner Kommilitonen am Royal College of Art der Abstraktion zuwandten, ging er in die entgegengesetzte Richtung. "Ich entschied bewusst, den abstrakten Expressionismus zu verlassen und zur Figur zurückzukehren", sagte er. Diese Entscheidung war ein Ausdruck nicht seiner Karriere, sondern seiner Identität; und Hockney kehrte von dieser Entscheidung niemals zurück.

Die in dieser Zeit entstandene Love Pictures-Serie war nicht nur ein poetischer Ausdruck homosexuellen Verlangens. Verse von Walt Whitman, aus U-Bahn-Toiletten kopierte Graffitis, numerische Codes und verschmierte Symbole – all das war das geheime Alphabet eines Künstlers, der dem System trotzte. Die "3.18" in dem Gemälde "Doll Boy" oder die Zahl "138" in "Hairy Legs" waren nicht nur Rätsel; sie waren die einzige sichere Form der Offenbarung einer Identität, die damals als Verbrechen galt.

Als Hockney 1963 zum ersten Mal nach Los Angeles kam, fand er dort sich selbst. Das ist keine übertriebene Aussage; es ist eine biografische Tatsache. Nach der düsteren Atmosphäre Bradfords und dem konkurrenzbetonten Kunstumfeld Londons bot ihm Kalifornien eine Welt, die Farbe, Licht und offene Identität ermöglichte.

Schwimmbäder, kalifornische Häuser, die Brechung der Sonne auf der Wasseroberfläche – Hockneys Gemälde aus dieser Zeit waren nicht nur Landschaftsdarstellungen. Sie waren eine tiefgreifende Befragung der Vergänglichkeit des modernen Lebens und zugleich eine existenzielle Feier. Die weiße Wassersäule in A Bigger Splash repräsentierte einen Moment, der in zwei Sekunden verschwand; Hockney verbrachte zwei Wochen damit, diesen Moment auf die Leinwand zu übertragen. Das war ein Symbol für die Ehrfurcht des Künstlers vor der Zeit und der momentanen Erfahrung.

Hockney ließ sich niemals auf ein einziges Material, eine einzige Form oder eine einzige Epoche festlegen. Seine Karriere, die sich von Polaroid-Fotocollagen bis zu iPad-Zeichnungen, von Gravuren bis zu Bühnenbildern erstreckt, ist der Beweis dafür, dass seine Neugier niemals versiegte. In seinen Fotocollagen, die er "Joiners" nannte, zerlegte und fügte er Zeit und Perspektive neu zusammen; er trug die Tür, die Cézanne zum Kubismus öffnete, ins digitale Zeitalter.

Die iPad-Gemälde verblüfften einen Teil der Kunstwelt, für Hockney waren sie nur ein neuer Pinsel. Das Werkzeug hatte sich geändert, aber das Auge war dasselbe Auge: neugierig, beharrlich und entschlossen, überall nach Schönheit zu suchen.

Hockneys Werke werden heute in Auktionshäusern für Rekordpreise verkauft. "Pool with Two Figures" wurde 2018 mit 90,3 Millionen Dollar bewertet. Aber wenn man Hockneys Karriere betrachtet, sieht man, dass diese Zahlen aus den direkten Beziehungen entstehen, die der Künstler selbst aufbaute, aus seinem direkten Teilen und seinem Beharren darauf, unabhängig vom kommerziellen System zu bleiben.

Als Collecist sehen wir auch folgendes: Echte Sammelkultur entsteht dadurch, dass man die Produktion eines Künstlers nicht den Marktmechanismen, sondern den Menschen näherbringt. Hockney führte, solange er lebte, einen direkten Dialog mit seinem Publikum. Das heute digital, ohne Provisionen und ohne Vermittler zu schaffen, ist möglich – und notwendig.

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