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Unsterbliches Storyboard Aktuell

Unsterbliches Storyboard

Warum wird die Odyssee seit dreitausend Jahren immer wieder gezeichnet? Wie lange lebt eine Geschichte? Zehn Jahre? Ein Jahrhundert? Oder altert eine Geschichte, die Töpfer, Bildhauer, Gravurmeister, Maler und heute Filmregisseure seit dreitausend Jahren nicht aufhören können, immer wieder neu zu erschaffen, wirklich niemals? Christopher Nolans aufwendige Odyssee-Verfilmung ist nicht bloß ein neuer Film. Sie ist das jüngste Glied in einer der langlebigsten visuellen Produktionsketten der Menschheit — IMAX-Kameras, die dort fortsetzen, wo die Hand aufgehört hat, die vor dreitausend Jahren eine schwarzfigurige Vase bemalte. Denn das Epos des Homer wurde niemals nur gelesen. Zunächst wurde es Szene für Szene auf antiken griechischen Vasen abgebildet. Dann ging es über in Marmorreliefs. Die Renaissance deutete es neu, die Romantiker imaginierten die Sirenen und Kalypso neu, die Symbolisten machten Odysseus zur Metapher des menschlichen Geistes. Heute sind dieselben Szenen auf der Leinwand. Vielleicht liegt die eigentliche Stärke der Odyssee nicht darin, Literatur zu sein, sondern darin, dass sie wie ein fertiges Storyboard funktioniert. Die Höhle des Polyphem, die Felsen der Sirenen, der Becher der Kirke, Penelopes Webstuhl, der gespannte Bogen ... Jeder Abschnitt ist für sich allein eine vollendete visuelle Komposition. Das Epos erzeugt nicht nur einen zu lesenden Text, sondern Bilder, die erneut gesehen werden wollen. Und die Kunstgeschichte folgt diesen Bildern seit dreitausend Jahren. Im Folgenden wollen wir verfolgen, wie selbst eine einzige Szene von Epoche zu Epoche weitergegeben wird.   Fünf Szenen, die seit dreitausend Jahren gezeichnet werden Die Höhle des Polyphem : Die zuerst gezeichnete Szene Einer der ältesten visuellen Belege der Odyssee ist nahezu gleichaltr...

Trotz seiner Flügel die Holzleiter Aktuell

Trotz seiner Flügel die Holzleiter

Von Jakobs Leiter zum Bildschirm: Zur Ikonographie des Aufstiegs   Ein Detail Im Katharinenkloster auf dem Sinai gibt es eine Ikone aus dem 12. Jahrhundert: Die Himmelsleiter. Die Komposition ist von bestechender Klarheit. Eine Leiter, die von der unteren rechten Ecke nach oben führt, darauf in einer einzigen Reihe kletternde Mönche, von rechts kleine schwarze Teufel, die sie hinabzuziehen versuch...

Wann wird Kunst zur Show? Aktuell

Wann wird Kunst zur Show?

Von der ästhetischen Revolution zur Erlebnisökonomie: das Dilemma des Biennale-Zeitalters Wenn wir heute erneut auf Eugè...

Chrom aus Pelz Aktuell

Chrom aus Pelz

Die achthundertjährige Klassenreise eines Hundes. Einst gab es kleine, flauschige Hunde, die zu Füßen der Aristokraten standen. Heute erheben sich in den Salons der Sammler Ballonhunde aus rostfreiem Stahl. Auf den ersten Blick scheint es keine Verbindung zwischen diesen beiden Bildern zu geben: das eine ein lebendiges Wesen, das in der Tiefe der Ölmalerei atmet, das andere der kalte Glanz einer industriellen Oberfläche. Doch die Kunstgeschichte erzählt uns etwas anderes. Bilder sterben nicht. Sie wechseln nur die Klasse. Dieser Text wird versuchen, die stille Verwandtschaft zwischen zwei scheinbar entfernten Hundefiguren zu verfolgen. Denn schaffen wir wirklich neue Bilder, oder hüllen sich alte Begierden nur in neue Oberflächen? Die Antwort auf diese Frage ist entscheidender, als wir denken, um die Beziehung der zeitgenössischen Kunst zum Markt zu verstehen. Der deutsche Kunsthistoriker Aby Warburg entwickelte zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts das Konzept des Nachleben der Bilder  das Weiterleben der Bilder nach ihrem Tod. Laut Warburg scheinen Bilder an bestimmten Punkten der Geschichte zu verschwinden, kehren dann aber in einem anderen Zeitalter, in einem anderen Kontext, oft in einem unerkennbaren Kostüm zurück. Die Flügelbewegung eines Renaissance-Engels kann von der Ekstase einer antiken Bakchantin vererbt sein; ein Frauenkörper in einem Werbebild kann unbewusst die Venus-Ikonographie von vor vierhundert Jahren tragen. Bilder schlafen nicht im Archiv; sie sind im Umlauf. Pierre Bourdieu nähert sich der Sache aus einem anderen Blickwinkel. Ihm zufolge ist Geschmack nicht unschuldig. Welches Bild wir betrachten, welchen Künstler wir an unsere Wand hängen, welches Werk wir "bedeutungsvoll" finden — all dies wird innerhalb der geheimen Ökonomie des kulturellen K...

Die Kunst hat mir genug Sonnenblumen zu essen gegeben Aktuell

Die Kunst hat mir genug Sonnenblumen zu essen gegeben

Am Morgen bin ich aufgestanden, bevor die Hähne, zumindest die in unserer Nachbarschaft, krähten. Genauer gesagt, mein Körper stand auf; mein Kopf krähte bereits. Der Bodensatz des Traums, den ich in der Nacht hatte, lag noch auf mir: Ich stecke einen Batzen Geld meines Bruders in meine Tasche, dann gebe ich es aus Scham zurück. Nicht einmal der Traum hatte mir den Mut zugestanden, ein vollständig...

MODA hat die Kunstgeschichte gemietet Museum Kunstwerke sind jetzt zum Verkauf. Die Geschichte geht an den Meistbietenden. Aktuell

MODA hat die Kunstgeschichte gemietet Museum Kunstwerke sind jetzt zum Verkauf. Die Geschichte geht an den Meistbietenden.

MODE mietete die Kunstgeschichte Museumswerke sind jetzt käuflich. Geschichte an den Meistbietenden.   Das Kostüminstitut des Metropolitan Museum of Art kombiniert 200 Kunstwerke mit 200 Kleidungsstücken. Klingt elegant. Aber wenn im ersten Absatz des Textes der Name von Jeff Bezos vor dem Namen des Kurators steht, wird hier nicht Kunstgeschichte geschrieben, sondern Kunstgeschichte gemietet. "Die natürliche Beziehung zwischen Kleidung und Körper." Wie steril. Wie sicher. Wie entpolitisiert. Doch was steckt in dieser natürlichen Beziehung? Da sind Werkstattbrände in Bangladesch. Da sind Hände, die in achtstündigen Schichten nähen. Da sind Körper am untersten Ende der globalen Lieferkette, die für ein paar Dollar am Tag arbeiten. Nichts davon erscheint als Etikett in der Ausstellung. Denn das Sponsor-Logo ist über dieses Etikett geklebt. Mode hat sich schon immer für Kunstgeschichte interessiert. Das ist verständlich. Kleidung ist auch ein kulturelles Dokument, Kleidung ist auch Zeuge einer Epoche. Aber was heute geschieht, ist etwas anderes. Was heute geschieht, ist folgendes: Luxusmarken und Milliardärsnamen verwandeln Kunstinstitutionen in Legitimationsfabriken. Wenn man ins Museum geht, wird man "kulturell". Wenn man neben der Geschichte ausgestellt wird, wird man "dauerhaft". Wenn man Gegenstand eines akademischen Textes wird, wird man "wichtig". Und der Preis dafür? Das Ausschließen störender Fragen. Wo ist die Arbeit? Wo ist die Ausbeutung? Wo ist die Klassenkonzentration hinter dem Luxus? Alles verdunstet im Laufstegscheinwerferlicht. Während der "abstrakte Körper" erklärt wird, werden die Produktionsbedingungen des Körpers abstrahiert. Diese Wahl ist eine Frage der Kapazität, nicht der Fähigkeit. Die zuvor unter Louis Vuitton-Sponsoring organisierte Ausstellung ...

Die Kunstgeschichte in der Hand des Kurators Aktuell

Die Kunstgeschichte in der Hand des Kurators

Wer wählt aus, wer bleibt? Die Kunstgeschichte in der Hand des Kurators Wenn wir eine lange Projektion auf die Kunstgeschichte richten, sehen wir Folgendes: Anfangs war der Kompass der Kunst die eigene innere Sensibilität des Künstlers. Heute ist die richtungsweisende Figur zunehmend der Kurator geworden. Ist dieser Wandel nur eine organisatorische Transformation oder ein ästhetischer und ökonomi...

Wie wird man Creator? Aktuell

Wie wird man Creator?

Wie findet Creator’tüm zum Leben? Über die schwache Realität, ein unabhängiger Creator in der Türkei zu sein 06 FEB 26 C...

Über die Formen der Rückkehr Aktuell

Über die Formen der Rückkehr

Über die Formen der Rückkehr Denken wir an einen kleinen Pflanzenzweig, der im Herbst seine Blätter abgeworfen hat.Sein Stamm steht noch aufrecht, aber konzentriert sich nun nicht mehr aufs Wachsen, sondern auf Richtungen.Jeder Ast repräsentiert eine Möglichkeit.Bis zum Endpunkt gegangene, erprobte, erschöpfte Möglichkeiten.Auf diesen Ästenist ein kleines Insekt, das trotz seiner Flügel nicht zu fliegen wählt.Ein Marienkäfer.Statt vorwärts zu gehen, bleibt er stehen, kehrt um, wendet sich einem anderen Ast zu.Das ist keine Unentschlossenheit;das ist der Rhythmus der Wegsuche.Künstlerische Produktion wird meist zusammen mit der Idee des Fortschritts gedacht.Was sich jedoch in der Praxis zeigt, ist mehr als eine lineare Bewegungein mit Rückkehren, Abweichungen und Wiederholungen verwobenes Kreisen.Man geht bis zum Ende eines Astes,bemerkt dort, dass etwas erschöpft istund kehrt zurück.Diese Rückkehren werden oft falsch gelesen.Als Zögern, Unentschlossenheit oder Orientierungslosigkeit.Doch für manche Produktionen ist das Zurückkehreneine bewusste Verweigerung.Es ist der Ausdruck davon, nicht weiterzumachen, eine andere Möglichkeit ernst zu nehmen.Heute wählen viele Arbeiten,obwohl die Möglichkeit besteht, die Flügel zu öffnen und zu fliegen,auf denselben Ästen zu wandeln.Denn Fliegen ist riskant.Sich vom Boden lösen bedeutet, den Kontext zu verlieren.Laufen hingegen ermöglicht es, in Kontakt zu bleiben.Dieser Text steht nicht an einem Ort, der Produktion verherrlicht oder kritisiert.Er beschreibt eher einen Zustand:An welchem Punkt der Künstler in seiner eigenen Praxisumkehrt,welchen Ast er warum verlässtund welche neue Möglichkeit er stillschweigend erkundet.Manche Arbeiten erscheinen auf den ersten Blick klein.Genau wie die Anstrengung des Marienkäfers.Aber diese kleine...

Wurde das mit diesem Computer gemacht? Wir dachten, es wäre digitale Kunst, aber es stellte sich heraus, dass er in den 1960ern malte: Mernet Larsen Aktuell

Wurde das mit diesem Computer gemacht? Wir dachten, es wäre digitale Kunst, aber es stellte sich heraus, dass er in den 1960ern malte: Mernet Larsen

Jeder, der Mernet Larsens Gemälde betrachtet, stellt diese Frage. Blockförmige Figuren, abgeflachte Perspektive, verpixelte Farben... Es wirkt, als gehöre es in die 2020er Jahre. Die Antwort: Nein. Und noch interessanter: Diese Gemälde werden seit den 1960er Jahren gemalt. Die 86-jährige Larsen bezeichnet sich selbst als "Technologie-Skeptikerin". Ohne einen Computer zu berühren, produziert sie se...

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"Was einer Tasse widerfährt."

“Was einer Tasse widerfährt.” Meret Oppenheim, 1936 (Das Fell des Kaffees + was einer Tasse widerfährt = Die Geburt des ...

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Nebeneinander Sprechen; Zerbrechlicher Rhythmus

  NEBENAN SPRECHEN; ZERBRECHLICHER RHYTHMUS Die Politik des Schweigens über Zeit, Raum und Körper   In einer Zeit, in der die Grenzen zwischen Kino und zeitgenössischer Kunstpraxis verschwimmen, bilden drei Künstler aus verschiedenen Generationen und Geografien—Ira Sachs, Béla Tarr und Karimah Ashadu—eine gemeinsame Linie ästhetischen Widerstands: die gewöhnlichen Momente des Alltags monumental zu machen, das Unsichtbare sichtbar zu machen und die Temporalität selbst als politisches Instrument gegen die von der Geschwindigkeit auferlegte narrative Ökonomie zu verwenden. Diese drei Namen positionieren Schweigen, Warten und Beobachten als radikale Haltung gegen dominante narrative Strukturen, obwohl sie in verschiedenen Medien und Kontexten arbeiten. Sachs' Mikro-Universen basierend auf queer intimacy, Tarr's menschliche Zustände, die sich in apokalyptischer Langsamkeit auflösen, und Ashadu's Verhandlung zwischen Körper und Raum im postkolonialen Lagos, alle stellen dieselbe Frage in verschiedenen Tönen: Welche Art von Aktivismus trägt das Innehalten und Schauen in einer Welt, die hastig produziert, konsumiert und vergessen wird? Ira Sachs' Kino zeigt, wie der private Bereich in seinem eigenen Inneren zu einem ideologischen Schlachtfeld wird, indem es die politische Haltung des Queerkinos mit der Kraft der Melodram-Intimität verbindet. In Filmen wie "Passages" und "Frankie" enthüllt die emotionale Geopolitik zwischen den Charakteren, wie der Raum eine Pariser Wohnung, ein Sommerhaus in Portugal die Wünsche der Charaktere formt und begrenzt. Während Sachs John Cassavetes' Verständnis von improvisierter Intimität mit einer queeren Sensibilität neu kodiert, lehnt er die von heteronormativen Narrativstrukturen auferlegten Mechanismen der "Lösung" und des "Abschlusses" ab. Se...

Nach Rainer die Abrechnung mit dem Bild Aktuell

Nach Rainer die Abrechnung mit dem Bild

Nach Rainer Die Abrechnung mit dem Bild Arnulf Rainer, 1929–2025 Der österreichische Künstler Arnulf Rainer, bekannt für seine 'Übermalung'-Technik, ist verstorben. Seit den 1950er Jahren malte Rainer sowohl über seine eigenen als auch über fremde Werke. Anfangs entstand dies aus materieller Notwendigkeit: "Ich hatte kein Geld, ich kaufte alte Bilder von Flohmärkten, sie waren billiger als neue Le...

Digital Art Käufertrends 2025 Aktuell

Digital Art Käufertrends 2025

Umfassende Marktanalyse für Künstler und Sammler Managementzusammenfassung Das Jahr 2025 war Zeuge eines grundlegenden ...