War das nun Kunst?

Kann Kochen Kunst sein?

Tiravaniyas Arbeit sorgte für eine Revolution in der Kunstwelt. Denn es gab kein "Werk" im klassischen Sinne. Es gab kein Objekt, das man kaufen konnte. Aber die Erfahrung, die die Galerienbesucher an jenem Abend machten, das Essen, das sie teilten, die Gespräche, die sie führten - waren diese weniger wertvoll als ein Kunstwerk?

Der französische Kurator Nicolas Bourriaud nannte solche Arbeiten "relationale Ästhetik". Seiner Ansicht nach geht es in der Kunst nicht mehr so sehr um die Produktion von Objekten als vielmehr um die Schaffung von Beziehungen zwischen Menschen. Während ein Bild gerahmt an der Wand hängt, brachte Tiravaniyas Essen Menschen zusammen, ließ sie sprechen und teilen.

Der deutsche Künstler Joseph Beuys hatte Jahre zuvor gesagt: "Jeder ist ein Künstler". Vielleicht meinte er das: Kreativität beschränkt sich nicht darauf, Bilder an Galeriewände zu hängen. Gesellschaftliche Beziehungen zu gestalten ist auch eine Form der Kunst.

Das niemals endende Manifest

Designer Bruce Mau veröffentlichte 1998 seinen berühmten Text "Unvollendetes Manifest für Wachstum". Beachten Sie den Widerspruch im Titel: Wie kann ein Manifest unvollendet sein?

Maus Antwort ist scharf: "Vollendung ist der Tod."

Wenn Sie ein Kunstwerk als "fertig" betrachten und es einrahmen, erstarren Sie es, trennen es vom Leben. Wahre Kreativität jedoch ist lebendig, entwickelt sich, verändert sich. Einer der Punkte in Maus Manifest besagt: "Vergessen Sie nicht, Misserfolg fördert auch die Karriere. Selbstgefälligkeit angesichts des Misserfolgs ist echter Misserfolg."

Dieser Gedanke stimmt mit der "Happening"-Bewegung der 1960er Jahre überein. Happening-Künstler schufen vorab geplante, aber unkontrollierbare Ereignisse. Jede Show war anders, nicht wiederholbar. Das Werk verschwand nach einmaliger Aufführung - genau wie das Leben selbst.

Der amerikanische Komponist John Cage übertrug diese Auffassung auf die Musik. In seinem berühmten Werk "4'33"" spielt der Pianist drei Sätze lang keine einzige Note. Die Musik entsteht aus dem Husten im Saal, dem Verkehrslärm, dem unruhigen Rascheln der Zuhörer. Cages Frage ist einfach, aber verstörend: Ist Stille nicht auch Musik?

Das vom Leser geschaffene Werk

Der italienische Schriftsteller und Denker Umberto Eco veröffentlichte 1962 einen wichtigen Text namens "Das offene Kunstwerk". Nach Ecos Auffassung ist jedes Kunstwerk von Natur aus "offen" - das heißt, seine Bedeutung kann nicht fixiert werden, es wird durch die Interpretation des Betrachters vervollständigt.

Denken Sie daran: Liegt Mona Lisas Lächeln im Gemälde oder in den Köpfen der Millionen von Menschen, die es sehen? Jeder Blick erschafft tatsächlich eine andere Mona Lisa. Das ist es, was Eco meint: Das Kunstwerk ist nicht nur das, was der Künstler geschaffen hat, sondern die Beziehung, die der Betrachter mit diesem Ding eingeht.

Diese Sichtweise verlagert die Kunst vom Objekt zur Beziehung. Wenn Sie einen Roman schreiben, ist Ihr Werk beendet, sobald das Buch gedruckt wird? Nein. Das Werk wird im Kopf jedes Lesers neu erschaffen, gewinnt verschiedene Bedeutungen.

Die digitale Kunst hat diese Offenheit auf die Spitze getrieben. Ein von einem Algorithmus geschaffenes Werk ist jedes Mal anders, wenn es ausgeführt wird. Eine interaktive Installation wird durch die Berührung des Besuchers geformt. Jetzt fragen wir: Wo endet das Werk, wo beginnt die Erfahrung?

Das verschwindende Objekt im digitalen Zeitalter

2021 wurde ein NFT des digitalen Künstlers Beeple für 69 Millionen Dollar verkauft. Was kaufte der Käufer? Nicht ein Gemälde, das er in Händen halten konnte, sondern eine digitale Datei, die in der Blockchain registriert war. Also... einen Code. Aber mit einem Wert von 69 Millionen Dollar.

Dieses Ereignis ist tatsächlich das Ergebnis eines langen Prozesses. In den 1960er Jahren sagten Konzeptkünstler: "Die Idee ist das Werk selbst". In den 1970er Jahren setzte die Performance-Kunst den Moment an die Stelle des dauerhaften Objekts. In den 1990er Jahren verkunsteten Namen wie Tiravanija soziale Beziehungen. Und jetzt in den 2020er Jahren ist die Kunst mit NFTs vollständig entmaterialisiert.

Vielleicht ging es in der Kunst nie wirklich um "Dinge". Sie handelte immer von Erfahrung, Bedeutung, Beziehung und Transformation. Selbst die großartigen Gemälde der Renaissance waren im Grunde Werkzeuge: um eine Verbindung zum Göttlichen herzustellen, Geschichte zu übertragen, Schönheit zu erfahren.

Heute hören diese Werkzeuge auf, materiell zu sein. Und das ist vielleicht kein Verlust, sondern eine Befreiung.

Die Macht der Leere

Der alte chinesische Philosoph Laotse sagt: "Der Topf wird aus Ton gemacht, aber was wirklich nützlich ist, ist die Leere."

Ohne Objekte zu schaffen bedeutet nicht, die Kunst abzulehnen. Im Gegenteil, es bedeutet zur Essenz der Kunst zurückzukehren. Kreativität ist kein Produkt, sondern ein Prozess. Die Bedeutung der Kunst liegt nicht im Objekt, sondern in der Beziehung.

Tiravaniyas Herd, Cages Stille, Ecos offene Werke - sie alle weisen auf dieselbe Wahrheit hin: Die tiefsten Kunsterfahrungen hinterlassen manchmal kein Objekt. Nur einen Moment, ein Gefühl, eine Veränderung.

Vielleicht ist das radikalste Kunstwerk dasjenige, das nie existiert, aber überall gespürt wird. Das Werk, das in der Leere widerhallt, geteilt, gelebt, transformiert wird.

Das Werk, das ohne Objekte geschaffen wird.

Dieser Artikel ist eine Untersuchung über post-objektuelle Kreativität in zeitgenössischen Kunstpraktiken. Er wurde von der türkischen digitalen Kunstplattform COLLECİST  mit dem Ziel vorbereitet, einen kleinen Beitrag zum Kunstdiskurs im Kunstbereich  zu leisten.