Was passiert, wenn du einen Ausstellungsraum betrittst, genau?

Der weiße Marmor unter deinen Füßen, die sterile Weiße der Wände, der berechnete Abstand zwischen den Werken, der Sicherheitsbeamte, der dich am Eingang begrüßt - nichts davon ist Zufall. Alles sagt dir etwas: Sei hier ernst. Zeige hier Respekt. Zeige dich hier wissend. Bevor du noch ein einziges Gemälde betrachtet hast, hat dieser Raum bereits begonnen, dich zu formen.

Stelle nun diese Frage: Gibt es so etwas wie einen vorurteilsfreien Blick?

"Ich schaue nur auf das, was ich fühle" ist der Satz, der der Kunst gegenüber am häufigsten gehört wird und am harmlosesten erscheint. Aber gleichzeitig ist er der irreführendste.

Als Clement Greenberg Mitte des 20. Jahrhunderts das Projekt startete, die Kunst zur "Reinheit" zu führen, war er genau dieser Illusion auf der Spur. Befreie die Kunst von Narration, Politik, Alltag; nur Form soll bleiben, nur Farbe und Oberfläche - dann kann eine "reine" ästhetische Erfahrung erreicht werden. Das war das formalistische Projekt.

Aber was entstand schließlich? Ein in sich äußerst rigider Kanon. Der abstrakte Expressionismus setzte sich ins Zentrum, die New Yorker Kunstwelt bestimmte den globalen Maßstab, eine bestimmte Produktionsweise, ein bestimmter Körper, eine bestimmte Geographie, eine bestimmte Klasse wurden als "universell" erklärt. Das Streben nach Reinheit hatte einen der wirkungsvollsten Filter der Geschichte produziert.

Greenbergs Formalismus war keine Reinigung, sondern eine Wahl. Und jede Wahl wird von irgendwo getroffen.

John Berger drehte 1972 eine vierteilige Dokumentation für die BBC. Der Eröffnungssatz ist immer noch scharf: "Sehen kommt vor dem Sprechen." Aber gleich darauf fügte er hinzu: "Wie wir sehen, wird davon beeinflusst, was wir wissen."

Dieser Satz erscheint klein, ist revolutionär.

Laut Berger normalisierten die durch die Kunstgeschichte hindurch produzierten Bilder - besonders die europäische Maltradition - einen bestimmten Blick: den Blick eines besitzenden, männlichen, westlichen Subjekts. Die weibliche Figur wurde zum Objekt dieses Blicks; exotische Geographien zur Fantasie dieses Blicks. Der Betrachter wurde darauf konditioniert, sich mit jenem Subjekt zu identifizieren, mit seinen Augen zu sehen.

Setzt sich diese Konditionierung heute fort?

Noch wichtiger: Bedeutet es, sich davon zu befreien, wenn man es bemerkt?

Nein. Es zu bemerken bedeutet nur, an einem ehrlicheren Punkt zu stehen. Die Geschichte des Blicks zu kennen bedeutet nicht, von dieser Geschichte befreit zu sein, aber wenigstens, sich nicht in ihr zu verlieren.

Arthur Danto stellte 1964 diese Frage: Was ist der Unterschied zwischen Andy Warhols Brillo-Box und der Brillo-Box im Supermarkt?

Visuell nahezu null. Aber die eine ist Kunst, die andere Verpackung.

Dantos Antwort war das Konzept der "Kunstwelt": Was einen Gegenstand zur Kunst macht, ist der institutionelle und diskursive Rahmen, der um ihn gewoben wird. Galerie, Museum, Kritiker, Kurator, Sammler, Biennale - das sind alles Teile dieses Rahmens. Ohne Rahmen ist Kunst unsichtbar; genauer gesagt, als Kunst unsichtbar.

Diese Feststellung ist beunruhigend, weil sie impliziert: Dass ein Werk als "gut" oder "wichtig" betrachtet wird, könnte nicht mit seinem inneren Wert, sondern mit seinem Zugang zu diesem Rahmen zusammenhängen.

Wer zeichnet den Rahmen? Wer bleibt außerhalb des Rahmens?

Die zeitgenössische Kunstwelt lässt jedes Werk durch drei große Filter gehen.

Der erste ist der Markt. Auktionsergebnisse schreiben die Kunstgeschichte neu. Wenn das Werk eines Künstlers für einen Rekordpreis verkauft wird, steigt rückwirkend auch die Bedeutung dieses Künstlers. Dieser Kreislauf produziert seine eigene Realität: wertvoll, weil teuer; teuer, weil wertvoll. Ein Werk, das diesen Filter nicht passiert, ist nicht zur Unsichtbarkeit verdammt, muss aber einen viel härteren Weg gehen, um sichtbar zu werden.

Der zweite ist die Institution. Biennalen, staatlich geförderte Museen, prestigeträchtige Galerien - das sind die Türhüter. Der Künstler, der durch die Tür geht, wird legitimiert; wer es nicht schafft, beginnt einen Schritt zurück, egal wie originell er ist. In den letzten zwanzig Jahren wurde diese Grenze erschüttert: digitale Plattformen, unabhängige Räume, Künstlerinitiativen öffneten alternative Kanäle. Aber der Mainstream ist noch stark.

Der dritte ist der Diskurs. Welche Sprache, welcher konzeptuelle Rahmen, welche theoretischen Referenzen gelten als gültig? Künstler und Werke, die innerhalb einer bestimmten intellektuellen Tradition sprechen können, werden schneller akzeptiert als die, die außerhalb dieser Tradition bleiben. Das hängt manchmal mit Geographie, manchmal mit Bildung, manchmal mit Sprache zusammen, schafft aber immer eine Differenzierung.

Wenn die drei Filter zusammen funktionieren, ergibt sich folgendes: Das Werk, das die Kunstwelt als "wertvoll" betrachtet, ist meist ein Werk, das durch diese drei Kanäle gehen konnte. Zu sagen, was nicht durchgeht, sei wertlos, ist nicht möglich. Es ist nur unsichtbar.

Es gibt noch eine andere Angelegenheit, die Ehrlichkeit erfordert.

In den letzten Jahren entstand in der Kunstwelt eine starke Tendenz: Kunst von marginalen Identitäten, Werke historisch ausgeschlossener Stimmen, in früheren Perioden übersehene Künstler - für deren Sichtbarmachung wurde eine bewusste Anstrengung unternommen. Das ist eine legitime und notwendige Korrektur.

Aber einige Kritiker begannen, eine berechtigte Frage zu stellen: Steht in diesem Prozess das Werk selbst im Vordergrund oder die Identität des Künstlers? Beide ersetzen sich zeitweise gegenseitig. Wenn Identität zum Bewertungsmaßstab selbst wird - also nicht das Werk, sondern die Identität "wertvoll" gemacht wird - ist auch das ein Vorurteil. Die Richtung hat sich umgekehrt, aber die Struktur ist dieselbe.

Vorurteile im wahren Sinne zu überwinden beginnt damit, diese beiden voneinander unterscheiden zu können: Die Frage "Wer spricht" und die Frage "Was sagt er" müssen gleichzeitig und getrennt gestellt werden können.

Die Position, in der sich Collecist befindet, macht ein Geständnis erforderlich.

Auch Collecist ist ein Filter. Jede Plattform ist ein Filter; kein Ausstellungsgrund ist neutral. Wie Künstler in die Plattform einbezogen werden, wie Werke präsentiert werden, welche Inhalte hervorgehoben werden  - das alles ist Auswahl. Und jede Auswahl wird von irgendwo getroffen.

Aber der Unterschied liegt hier: Zwischen dem Leugnen des Filters und dem Transparenthalten des Filters.

Das Galeriesystem versteckt seinen Filter, betreibt ihn im Namen der "Qualität", sagt aber nicht, wer die Qualität definiert hat. Der Markt präsentiert seinen Filter wie ein wirtschaftliches Naturgesetz. Institutionen übertragen ihre Maßstäbe meist unhinterfragt über Generationen.

Collecists Anspruch beginnt an einem anderen Ort: Entferne den Vermittler, verbinde den Künstler direkt mit dem Sammler. Arbeite ohne Provision. Beseitige die Notwendigkeit, auf die Zustimmung des Türhüters zu warten, um in das System einbezogen zu werden.

Das heißt nicht, vorurteilsfrei zu sein. Es bedeutet, zu versuchen, das Vorurteil sichtbar zu machen.

Wenn das Galeriesystem einen Künstler ignoriert, wird diese Entscheidung meist stillschweigend getroffen und die Begründung wird nie erklärt. Bei Collecist ist ein Künstler da oder nicht da, und dieser Zustand steht direkt vor dem Betrachter mit den Werken dieses Künstlers.

Natürlich ist auch das kein perfekter Rahmen. Aber es ist ein ehrlicherer Ausgangspunkt.

Jedes Auge blickt von irgendwo - das zu ändern ist nicht möglich.

Aber zu fragen, woher der Blick kommt, ist möglich. Diese Frage zu stellen ist eine Verantwortung, die sowohl der Betrachter als auch der Künstler als auch Collecist als Plattform übernehmen können.

Greenberg wollte Reinheit, aber schuf einen Kanon. Berger sagte, der Blick sei erlernt, und er hatte recht. Danto zeigte die Macht des Rahmens und verunsicherte. Diese drei Kritiker sagten sehr verschiedene Dinge, aber unter allem liegt dieselbe Frage:

Für wen sehen wir Kunst?

Collecists Antwort muss nicht einfach sein. Aber sie muss ehrlich sein.

Vielleicht ist die stärkste institutionelle Position diese: "Wir wissen, dass wir nicht richtig sehen. Aber wir versuchen, mehr zu sehen."

Collecist: Art's Quiet Space 
Um jede Stimme zu hören, haben wir zuerst gelernt, unsere eigene Stimme zu dämpfen.