Kunstnotizen - Interview mit F. Neriman Şairoğlu

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Interview mit F. Neriman Şairoğlu

Der Mut hinter den zerrissenen Oberflächen

Das Interview führte: Emin Kadıoğlu 

Neriman Şairoğlu ist ein Name, der in ihrer über dreißigjährigen Kunstlaufbahn niemals gezögert hat, die Grenzen der abstrakten Malerei zu testen. Şahiroğlu betrachtet die Leinwand nicht nur als Oberfläche, sondern als archäologisches Feld, in dem Emotion und Erinnerung ausgegraben und freigelegt werden, und hat eine eigenständige Sprache geschaffen, die aus der Spannung zwischen Rot und Schwarz entsteht. 1996 gründete sie die Pura Art Galerie in Caddebostan, führt seit 1997 ununterbrochen Ateliersarbeiten durch und vertrat die türkische Kunst bei internationalen Ausstellungen und Symposien. In diesem Interview sprachen wir über viele Themen, von der ersten Berührung der Leinwand bis zur Zyklizität des Lebens, von der Galerieerfahrung bis zu ihrer Sicht auf das digitale Zeitalter.

Die Grammatik des Rots, die Stille des Schwarz

In Ihren Arbeiten sind Rot und Schwarz fast zu einer Signatur geworden. Was bedeutet es für Sie, diese beiden Farben zusammen zu verwenden?

Ich liebe die Spannung zwischen diesen beiden Farben sehr. Ich bin Widder; Feuer, Bewegung und Führung sind in meinem Wesen. Rot bedeutet für mich Feuer und Krieg, es bedeutet Blut. Schwarz hingegen ist Tod. Also eigentlich Leben und Tod zusammen... Ich glaube, dass das eine die vorherige Stufe des anderen ist. Das ist eine zyklische Beziehung: alles steigt nach oben, etwas geschieht, erneuert sich, reinigt sich und kommt wieder nach unten.

Haben Sie einen besonderen Moment mit Rot? Was zieht Sie zu dieser Farbe?

Ich habe keinen besonderen Moment, aber Rot passt direkt zu meinem Charakter. Ich bin ein aufgeregter Mensch, das haben Sie sicherlich bemerkt. Selbst hier beim Sprechen bin ich aufgeregt. Rot trägt diese Aufregung. Ich kaufe immer viel rote Farbe, diese Farbe zieht mich an. Die Farbe, die Rot am besten zeigt, ist Schwarz. Weiß konkurriert mit Rot, aber Schwarz umarmt es.

Und das Weiß, das Sie darüber werfen?

Das Weiß, das ich über Rot und Schwarz werfe, heißt Rhythmus. Ohne Rhythmus lebt nichts im Bild.

Die Leinwand zerreißen: Die Archäologie der Erinnerung

Die Malerei ist eine Oberflächenkunst. Aber Sie wollen diese Oberfläche durchbrechen. Warum?

Ich suche Tiefe. Ich möchte, dass das Bild die Wand durchbricht. Ich suche die dritte Dimension. Dafür zerreiße ich wenn nötig, bringe wenn nötig nach vorne, bedecke wenn nötig. In dem Moment, in dem ich in die Oberfläche eingreife, nutze ich alle Möglichkeiten, um die dritte Dimension zu erfassen, die ich suche.

Was passiert in Ihrem Kopf in dem Moment dieses Eingriffs?

Während ich das tue, verlasse ich meine Neriman-Identität. Nur Hand und Auge bleiben. Wohin Hand und Auge das Bild führen, dorthin führt es. Dann mache ich die notwendigen Korrekturen, stelle entsprechend ein, wie der Rhythmus sein sollte. Also geschieht alles direkt unter dem Befehl meiner Gefühle.

Könnte dieses Zerreißen etwas aus der Kindheit sein?

Ich komme aus einer patriarchalischen Familie. Ich bin die Tochter eines autoritären Vaters. Ich bin niemals ein Mensch gewesen, der streiten kann. Die Dinge, die ich innerlich zerreißen, zerstören und zerteilen möchte, zerreiße ich hier, auf der Leinwand, könnte man sagen. Das sind Spuren aus der Kindheit; egal wie sehr man kratzt, sie bleiben wie ein Fleck dort stehen.

Zyklizität und Symbolismus: Formen, die zum Himmel aufsteigen

Sie glauben an Zyklizität. Wie übertragen Sie das in Ihre Bilder?

Nichts auf der Welt geht verloren. Es geht zum Himmel, deformiert sich, unterliegt Veränderungen und kommt wieder zu uns. Zwischen Erde und Himmel kreist etwas herum, wie die Seele, wie ihre Reinigung. In meinen Bildern versuche ich diesen Zyklus zu erfassen. Darin sind Freuds, Teufel, Kriege... Alles ist da.

Namenlosigkeit: Der dem Betrachter überlassene Raum

Der Großteil Ihrer Werke trägt den Titel 'Ohne Titel'. Warum?

Das ist ein bewusster Freiraum. Einem Werk keinen Namen zu geben bedeutet, den Betrachter nicht zu lenken. Da ich abstrakt arbeite, ist das Werk das Aufprallen meiner Seelenverfassung dort und ihr Kommen zu Ihnen. Unsere Seelenverfassung verändert sich ständig. Manchmal gefällt uns eine warme Farbe sehr, manchmal verlieren wir uns in einer kalten Farbe. Da sie sich verändert, wollte ich das Werk auch nicht in einen Namen zwängen.

Seit 1997 führen Sie ununterbrochen ein Atelier. Was ist das Grundlegendste, was Sie Ihren Schülern vermitteln?

Sie sollen originell sein, aufrichtig sein und ehrlich gegenüber ihrer Arbeit sein. Sie sollen ein Werk schaffen, das Sie in Ihr eigenes Zuhause hängen würden. Ich erlaube nicht, dass schlechte Arbeit herauskommt. Dieser Prozess muss auch als Abenteuer von 30 Jahren Bemühung betrachtet werden. Die über Jahre angesammelte Erfahrung, die Energie der durch das Atelier gegangenen Schüler und der Wille zu produzieren, haben diesen Prozess von einem reinen Bildungsbereich zu einem lebendigen Umfeld des Teilens und der Entwicklung gemacht. Jede neue Arbeit, jeder neue Schüler und jede neue Idee wurden zu kleinen, aber wertvollen Schritten, die daran erinnern, dass diese Reise weitergeht.
Wenn ich heute zurückblicke, kann dieser Prozess nicht nur als Geschichte des Werkschaffens, sondern auch als Geschichte einer Reise des gemeinsamen Denkens, Lernens und Wachsens mit der Aufrichtigkeit der Kunst betrachtet werden.

Wie hat das Unterrichten Ihre Kunst genährt?

Ich bin ein Mensch mit sehr hoher Empathie. Ich liebe es, in Köpfe einzudringen und dort Kunst zu schaffen. Nach drei Stunden verstehe ich, welchen Weg ein Schüler gehen wird. Jeder hat eine Geschichte zu erzählen, einen Geschmack. Ich lerne diese Person kennen und zeichne entsprechend einen Weg für sie. Jedes Mal treffe ich ins Schwarze; der Schüler sagt 'Das war es, was ich gesucht habe' und nimmt es rennend mit.

Wie halten Sie diese so langfristige Bindung aufrecht?

Malerei und Kunst sind unendlich. Man muss in der Unendlichkeit wandeln. Jeder Tag ist ein neuer Tag, jeder Tag ein neues Licht. Jeden Tag schmerzt ein Teil von uns, jeden Tag sehen wir etwas schöner. All das kann Material für die Malerei sein. Ich streue das, was ich erlebe, was ich sehe, um mich herum; und diese Streuungen verlassen meine Seite nicht.

Technik: Wann ist eine Arbeit beendet?

Die Farbtextur ist in Ihren Arbeiten sehr stark. Wie arbeiten Sie auf der Leinwand?

Das hier ist ein dreißigjähriges Atelier; alles, was mit Malerei zu tun hat, ist hier. Von Wischtechnik bis zu Texturarten, von Glasurtechnik bis zur Grundierung. Wasserfarbe, Ölfarbe, Acryl... Aber hier kommt eine Arbeit von einer Person heraus, eine einzige Arbeit. Jeder Mensch hat seine eigene Arbeitsweise.

Wie erkennen Sie, dass eine Arbeit beendet ist?

Ich schaue auf drei Dinge. Erstens, ob das Hell-Dunkel-Mittel-Gleichgewicht richtig ist. Zweitens, ob die Elemente, die hervortreten sollen, genügend hervortreten. Drittens, ob noch etwas hinzuzufügen ist. Wenn es null ist, ist es fertig. Alle drei müssen zusammen da sein.

Zwischen Abstrakt und Konkret: Auf der Suche nach Originalität

Sie verwenden eine abstrakte Sprache, aber in Ihren Werken gibt es Spuren von Natur, Stoff, organischen Formen. Wie bringen Sie das ins Gleichgewicht?

In der abstrakten Malerei sind für mich Tiefe, die Wirkung der Farbe und der Schlag ins Herz sehr wichtig. Die Bewegungen natürlicher Formen in den Übergängen der Farben ineinander helfen mir. Die Bewegung im Stoff selbst, das wellenförmige Fließen... Wenn ich flach male, wird es nicht so, ich will das nicht. Wenn es so ist, kommen meine Gefühle: einmal unten, einmal oben. Die Malerei ist eine zweidimensionale Kunst, aber ich suche dort die dritte Dimension. Je weiter es nach hinten geht, je mehr Ebenen es hat, desto wertvoller ist es für mich.

Eines meiner Kopfendwerke, das die Tiefe hervorbrachte, die ich durch langes Nachdenken und Arbeit erlebte

Wie haben Ihre Auslandserfahrungen Ihr Verständnis von Originalität geprägt?

Seit 2004 fahre ich nach Amerika. LACMA, Norton Simon, alle Museen in San Diego habe ich besucht. Von Eskimo-Kunst bis indonesischer Kunst, von afrikanischer Kunst bis chinesischer und japanischer Kunst habe ich alles einzeln studiert. Nach diesen Studien begriff ich, dass das Wichtigste ist, originell zu sein. Einen eigenen Stil zu haben ist sehr wichtig, und ich versuche diesen meinen Stil zu bewahren, auch wenn ich mich manchmal langweile.

Galerienführung und Kunstmarkt: Eine bittere Erfahrung

1996 gründeten Sie die Pura Art Galerie in Caddebostan. Was bewegte Sie zu diesem Schritt?

Ich schloss mit einer 250-seitigen Masterarbeit ab: 'Faktoren, die die türkische Malerei heute lenken.' Mein Professor sagte, jedes Kapitel dieser Arbeit könne eine eigene Masterarbeit werden. Um dieses Wissen ins Leben umzusetzen, ging ich den Weg der Galerienführung. Ich machte acht Ausstellungen in dieser Saison, von Basri Erdem bis Hamit Görele ließ ich wertvollen Namen Ausstellungen eröffnen.

Kunst ist für mich ein magischer und paradiesischer Bereich, in dem man lebt. 

Der Fluss der Kunst: Es gibt keine großen Schiffe mehr

Kann noch eine neue Kunstströmung entstehen?

Ich glaube, es entsteht keine mehr. In der digitalen Welt sieht jeder das der anderen und macht etwas etwas anderes. Denken Sie an Wasser, das in einem großen Fluss fließt: früher schwammen große Schiffe darauf, wurden von hinten verfolgt. Diese Schiffe waren Strömungen. Jetzt ist es nicht so; kleine Dinge, fünfzehn Sekunden, sechs Sekunden lange Stücke fließen vorbei. Neues kommt, verschwindet und geht. Die Zeit der großen Schiffe ist vorbei. Wichtig ist, das erfassen zu können, was anders ist als das bereits Gemachte.

Kunst im digitalen Zeitalter: Ihren Wert finden

Wie sehen Sie das Teilen und Verkaufen von Kunst auf digitalen Plattformen?

Heutzutage ist es nicht sehr möglich, sich vom Digitalen zu entfernen. Ich applaudiere dem, der es gut machen kann. Aber überall zu erscheinen, aufzutreten... Das ist wie ein Sturz. Die Kunst darf nicht außer Acht gelassen werden. Ich lehne das Digitale nicht ab, aber ich möchte, dass es seinen Wert findet. Der Wert der Kunst darf nicht abgenutzt, nicht verringert werden.

Was bringt den ersten Schritt?

Was bringt Sie beim Beginn einer neuen Arbeit in Bewegung?

Farbe. Was zuerst in Bewegung bringt, ist immer Farbe. Dann zieht sich der Verstand zurück. Nur Hand und Auge bleiben. Ich übertrage die Leinwand, es gibt weder Äpfel noch sonst etwas; die Gefühle beginnen und das Bild beginnt sich selbst zu machen.

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