Quel Est Exactement Ton Problème ? Entretien avec Elif Zaim.

Elif Zaim laisse l'encre se déposer dans l'eau, puis interroge l'œuvre. 
Entretien avec Elif Zaim Entretien mené par : S. Çağatay Özkefeli

Dans les œuvres d'Elif Zaim, c'est souvent non pas la main de l'artiste, mais l'encre qui trouve son propre chemin dans l'eau qui a le dernier mot. Au terme d'un parcours allant de la sociologie à la communication marketing, puis aux Arts Traditionnels Turcs, elle réunit sur un même papier l'ordre mesuré des motifs de la céramique et la propagation imprévisible de l'encre. Dans des œuvres telles que Généalogie, Origine, Alliance, la division d'une cellule et la dispersion d'une famille sont racontées à travers les mêmes signes. Nous avons parlé avec Zaim, sur ce seuil où abandon et liberté se croisent, de la manière dont la tradition se transmet jusqu'à aujourd'hui et de la façon dont l'être humain peut construire un espace silencieux qui lui appartient, au cœur du bruit. L'entretien a eu lieu à l'occasion de l'exposition La Grammaire du Hasard, qui se tient chez Collecist jusqu'au 28 décembre 2026.

Abandonner le contrôle à l'eau

S. Çağatay Özkefeli : Dans vos œuvres, ce qui est déterminant n'est souvent pas votre main, mais la décision propre de l'eau et de l'encre. Cet instant où le contrôle s'achève, où le matériau prend le relais, est-ce pour vous un abandon ou une libération ? Quel effet cela fait-il de se tenir sur ce seuil ?

Elif Zaim : C'est un processus de libération à part entière. L'un des moments que je préfère lors de la création, et où je me sens le plus à l'aise, est celui où l'encre révèle son propre caractère dans l'eau et se diffuse de manière imprévisible. À ce moment-là, je n'éprouve aucun besoin d'intervenir ; au contraire, j'attends avec impatience de découvrir quelle possibilité va se présenter. Cependant, je ne pense pas que la détermination et le hasard se séparent complètement l'un de l'autre à ce stade. C'est moi qui définis le champ des possibles. Je ne peux pas contrôler la façon dont l'encre va se comporter, mais c'est moi qui établis l'espace dans lequel elle va se répandre, les limites de la composition et les relations au sein de l'ensemble. Je travaille donc sur un champ de possibilités aux contours définis. La question du seuil est pour moi quelque peu douloureuse. La composition avant de laisser l'encre dans l'eau, réfléchir aux possibilités et établir les bonnes limites est un processus assez intense. Mais une fois ce seuil franchi, je ressens un grand soulagement et commence à prendre plaisir, car je vois désormais le paysage qui va se révéler. 

De la cellule à la parenté

S. Çağatay Özkefeli : Le parcours qui vous a menée de la sociologie aux Arts Traditionnels Turcs se lit clairement dans vos œuvres. Dans des pièces telles que Généalogie, Origine, Alliance, nous voyons en un seul souffle les formes biologiques et les liens sociaux. Comment vous est venue l'idée de raconter la division d'une cellule et la dispersion d'une famille, un noyau et une origine, avec le même signe ?

Elif Zaim : Mon processus de création artistique ne part généralement pas d'un système de pensée, d'une philosophie, d'une théorie ou d'un événement particulier. J'ai une façon de créer qui est plus instinctive, intuitive et qui fonctionne pour moi comme une sorte de thérapie. La plupart du temps, je crée sans chercher à expliquer quoi que ce soit. Une fois l'œuvre achevée, je la mets en face de moi et je me demande : « Qu'est-ce que tu voulais vraiment dire ? » Les réponses que je donne ensuite constituent le cadre intellectuel de l'œuvre. C'est pourquoi des relations telles que la cellule, le noyau, l'origine, la famille ou les liens sociaux ne sont souvent pas le point de départ de la création, mais des domaines que je découvre après avoir créé. Le fait d'avoir fait une licence en sociologie, puis un master en communication marketing, et d'avoir ensuite reçu une formation aux Arts Traditionnels Turcs a naturellement une très grande influence sur ces lectures. La sociologie et la communication marketing m'ont appris à lire les relations humaines et les structures sociales, tandis que ma formation artistique m'a appris à penser à travers la forme, le rythme, la répétition et la composition. Je crois que ces deux domaines se parlent l'un à l'autre à l'intérieur de mon langage créatif, sans que j'en sois consciente. 

La discipline et le chaos à la même table

S. Çağatay Özkefeli : L'ordre traditionnel des motifs de la céramique et la propagation imprévisible de l'encre semblent au premier abord deux mondes antagonistes. Vous les réunissez sur un même papier. Dans cette rencontre, l'un apprivoise-t-il l'autre, ou bien se provoquent-ils mutuellement pour se transformer en quelque chose de nouveau ?

Elif Zaim : Ils font preuve d'une harmonie remarquable et s'entendent très bien. Ils se connaissent même très bien l'un l'autre. La discipline, la répétition, le rythme et la conception de la composition propres aux arts traditionnels turcs représentent dans mes œuvres, fondamentalement, certains phénomènes. Ces motifs qui représentent l'immuable définissent à un moment donné les limites et les structures, tandis que le mouvement imprévisible de l'encre se libère à l'intérieur de cette structure. Ils s'adaptent l'un à l'autre et se font mutuellement de la place. Même les discours contemporains ou modernes ne peuvent pas émerger sans le traditionnel. Le langage d'aujourd'hui vient du passé. Le savoir et l'héritage de ce qui est traditionnel continuent de vivre en se transformant au sein de la création contemporaine. 

Entre microscope et télescope

S. Çağatay Özkefeli : Dans vos œuvres, il y a une forme d'« œil » ou de « noyau » qui se répète ; tantôt une cellule, tantôt une planète. Le fait que le même signe apparaisse à la fois à l'échelle la plus intime et à l'échelle la plus cosmique, qu'est-ce que cela signifie pour vous ?

Elif Zaim : L'une des raisons importantes pour lesquelles ces formes sont aussi intensément présentes dans mes œuvres est que j'ai été profondément influencée par la production de Yayoi Kusama. L'idée que tout commence par un point, l'univers visuel qu'elle construit à travers la ponctuation et la répétition, et l'idée d'atteindre le cosmos ont également influencé mon langage créatif. Mais lorsque vous commencez à utiliser une forme de façon répétée, le sens qu'elle porte pour vous commence lui aussi à évoluer avec le temps. Ces formes, qui peuvent se lire comme un point, un noyau ou une cellule, peuvent parfois évoquer une structure véritablement microscopique, parfois un système cosmique, et parfois simplement une unité créant du rythme à l'intérieur de la composition. Cette absence d'échelle me semble tout à fait fascinante. La possibilité qu'un même signe visuel soit lu à différentes échelles est une qualité à laquelle je fais attention dans mes créations. 

Le courage de dire « c'est fini »

S. Çağatay Özkefeli : Dans une création qui travaille avec le hasard, le moment du « c'est terminé » doit être la décision la plus fragile. Vous arrive-t-il de voir une trace laissée par l'eau comme un défaut et de vouloir la corriger, ou acceptez-vous ce défaut comme une décision propre à l'œuvre ? Selon vous, à quel moment une œuvre se termine-t-elle d'elle-même ?

Elif Zaim : C'est cet abandon qui est au fondement des œuvres. Cette partie de la création est pour moi tellement confortable et sereine que, une fois l'encre déposée dans l'eau, vous n'avez de toute façon guère la possibilité de changer le résultat. Il ne reste donc plus qu'à attendre avec une grande impatience le résultat qui va émerger. Ce qui est véritablement déterminant à ce stade, c'est la justesse et la richesse de la composition. Il est parfois possible d'apporter de légères modifications à partir de l'image obtenue ; mais la plupart du temps, je mets l'œuvre achevée en face de moi et je l'observe longuement. Le moment où une œuvre est véritablement terminée pour moi, c'est celui où, en la regardant, je ne ressens plus le besoin d'y ajouter ou d'y modifier quoi que ce soit.

Un espace silencieux à l'ère du bruit

S. Çağatay Özkefeli : Être un artiste qui crée en Turquie aujourd'hui, c'est se tenir au cœur d'une tradition profondément enracinée et d'un monde qui se numérise à toute vitesse. Dans cette abondance d'images et de contenus, quelle valeur des espaces artistiques indépendants comme Collecist représentent-ils selon vous ? Comment imaginez-vous l'avenir de l'art et de l'artiste dans cette « ère du bruit » ; entre quelles mains et de quelle façon cet avenir va-t-il se façonner ?

Elif Zaim : Tous les changements sociaux qui se produisent me semblent tout à fait amusants et acceptables. L'un des processus que je suis avec le plus d'enthousiasme est précisément d'observer comment la société et les modes de création se transforment. C'est pourquoi je ne considère pas le bruit de l'époque comme un problème en soi. Ce qui importe, c'est de pouvoir choisir ce que l'on écoute dans ce bruit. Je pense que la numérisation a également provoqué une transformation importante du point de vue de l'art. Nous sommes à une époque où l'art ne se limite plus aux galeries physiques et aux espaces d'exposition, et où la distance entre l'artiste et le spectateur ou le collectionneur se redéfinit. Je vois cette transformation non pas seulement comme une nécessité, mais comme une opportunité importante pour l'art d'explorer de nouvelles formes d'expression et de partage. C'est dans ce contexte que je trouve Collecist précieux. Car il ne se contente pas de créer un espace où les œuvres sont exposées en ligne ; il ouvre à l'artiste un espace plus direct où il peut transmettre sa propre création, son texte et son contexte. En particulier, le fait qu'il soutienne l'établissement d'une relation directe entre l'artiste et le collectionneur en allant au-delà des limites de la galerie physique est une approche importante pour la création artistique indépendante. Le fait qu'un tel espace offre une visibilité internationale aux artistes qui créent depuis la Turquie est également précieux. Pouvoir faire parvenir non seulement son œuvre, mais aussi son mode de création et son univers intellectuel à des spectateurs d'autres régions du monde est, selon moi, l'un des atouts les plus puissants du domaine de l'art numérique. Quant à l'avenir, je ne prévois pas un seul modèle. Je crois que l'art, comme la société, continuera à se transformer en permanence. Mon approche consiste à accepter les changements tels qu'ils sont, à les observer et à les utiliser de la manière la plus juste possible. Nous n'avons pas besoin de baisser le volume de l'époque ; nous devons apprendre, le moment venu, à baisser notre propre voix, à prendre du recul et à créer un espace silencieux qui nous appartient. Je pense que des plateformes indépendantes comme Collecist peuvent également jouer un rôle important dans ce nouvel écosystème artistique. Tant que nous pouvons voir le physique et le numérique non pas comme des alternatives l'un à l'autre, mais comme des espaces qui se complètent, je crois que le champ accessible à l'art ne cessera de s'élargir.

Entretien : S. Çağatay Özkefeli Curateur · Collecist