Cosa succede quando entri in una sala espositiva, esattamente?

Il marmo bianco sotto i tuoi piedi, quella bianchezza sterile delle pareti, la distanza calcolata tra le opere, la guardia di sicurezza che ti accoglie all'ingresso: niente di tutto questo è casuale. Tutto ti sta dicendo qualcosa: Qui sii serio. Qui rispetta. Qui mostrati esperto. Prima ancora di guardare una singola tela, quello spazio ha già iniziato a plasmarti.

Ora poniti questa domanda: Esiste davvero uno sguardo privo di pregiudizi?

"Io guardo solo quello che sento" è la frase più spesso sentita e apparentemente innocua di fronte all'arte. Ma è anche la più ingannevole.

Quando Clement Greenberg lanciò il progetto di "purificare" l'arte a metà del XX secolo, stava inseguendo proprio questa illusione. Purifica l'arte dalla narrazione, dalla politica, dalla vita quotidiana; rimangano solo la forma, solo il colore e la superficie: ecco, allora si potrà raggiungere un'esperienza estetica "pura". Questo era il progetto formalista.

Ma cosa ne è emerso alla fine? Un canone estremamente rigido al suo interno. L'espressionismo astratto si posizionò al centro, il mondo dell'arte newyorkese determinò il criterio globale, un certo modo di produzione, un certo corpo, una certa geografia, una certa classe furono proclamati "universali". La ricerca di purezza aveva prodotto uno dei filtri più efficaci della storia.

Il formalismo di Greenberg non era una pulizia, ma una scelta. E ogni scelta si fa da qualche parte.

John Berger nel 1972 girò un documentario in quattro parti per la BBC. La frase d'apertura è ancora tagliente: "Il vedere viene prima del parlare." Ma subito dopo aggiunse: "Il modo in cui vediamo è influenzato da quello che sappiamo."

Questa frase sembra piccola, ma è rivoluzionaria.

Secondo Berger, le immagini prodotte nel corso della storia dell'arte, in particolare la tradizione pittorica europea, normalizzarono un certo sguardo: lo sguardo di un soggetto proprietario, maschio, occidentale. La figura femminile divenne l'oggetto di questo sguardo; le geografie esotiche la fantasia di questo sguardo. Lo spettatore fu condizionato a identificarsi con quel soggetto, a vedere con i suoi occhi.

Ebbene, oggi quel condizionamento continua?

Ancora più importante: Accorgersene significa liberarsene?

No. Accorgersene significa solo stare in un punto più onesto. Conoscere la storia dello sguardo non significa esserne liberi, ma almeno non perdersi dentro di essa.

Arthur Danto nel 1964 pose questa domanda: Qual è la differenza tra la scatola Brillo di Andy Warhol e quella del supermercato?

Visivamente quasi zero. Ma una è arte, l'altra è confezione.

La risposta di Danto fu il concetto di "artworld": Ciò che rende arte un oggetto è la cornice istituzionale e discorsiva che si tesse intorno ad esso. Galleria, museo, critico, curatore, collezionista, biennale: sono tutti parti di quella cornice. Senza cornice l'arte è invisibile; più precisamente, non appare come arte.

Questa constatazione disturba perché suggerisce che: Il fatto che un'opera sia considerata "buona" o "importante" potrebbe essere legato non al suo valore intrinseco ma all'accesso a quella cornice.

Chi disegna la cornice? Chi rimane fuori dalla cornice?

Il mondo dell'arte contemporanea fa passare ogni opera attraverso tre grandi filtri.

Il primo è il mercato. I risultati delle aste riscrivono la storia dell'arte. Quando l'opera di un artista viene venduta a un prezzo record, l'importanza di quell'artista aumenta anche retroattivamente. Questo ciclo produce la propria realtà: preziosa perché costosa, costosa perché preziosa. L'opera che non passa attraverso questo filtro non è condannata all'invisibilità, ma deve percorrere una strada molto più ardua per essere vista.

Il secondo è l'istituzione. Biennali, musei sostenuti dallo stato, gallerie prestigiose: sono i guardiani della porta. L'artista che passa dalla porta si legittima; chi non riesce a passare, per quanto originale, inizia con un passo indietro. Negli ultimi vent'anni questo confine si è scosso: piattaforme digitali, spazi indipendenti, iniziative d'artista hanno aperto canali alternativi. Ma il mainstream è ancora forte.

Il terzo è il discorso. Quale linguaggio, quale cornice concettuale, quale riferimento teorico è considerato valido? L'artista e l'opera che riescono a parlare all'interno di una certa tradizione intellettuale vengono accettati più rapidamente di quelli che rimangono fuori da essa. Questo a volte ha a che fare con la geografia, a volte con l'educazione, a volte con la lingua, ma crea sempre una separazione.

Quando i tre filtri lavorano insieme, ne risulta questo: L'opera che il mondo dell'arte trova "preziosa" è per lo più quella che è riuscita a passare attraverso questi tre canali. Non è possibile dire che quella che non ci riesce sia senza valore. Solo invisibile.

C'è un'altra questione che richiede onestà.

Negli ultimi anni si è delineato un forte orientamento nel mondo dell'arte: si è fatto uno sforzo consapevole per rendere visibili l'arte proveniente da identità marginali, le opere di voci storicamente escluse, artisti precedentemente ignorati. Questa è una correzione legittima e necessaria.

Ma alcuni critici hanno iniziato a porre una domanda giusta: In questo processo viene messa in primo piano l'opera stessa o l'identità dell'artista? A volte i due si sostituiscono a vicenda. Quando l'identità diventa il criterio di valutazione stesso, cioè quando non l'opera ma l'identità viene resa "preziosa", anche questo è un pregiudizio. La direzione si è invertita, ma la struttura è la stessa.

Superare veramente il pregiudizio inizia con il riuscire a distinguere questi due aspetti: La domanda Chi parla e la domanda Cosa dice devono poter essere poste simultaneamente e separatamente.

La posizione in cui si trova Collecist rende obbligatoria una confessione.

Anche Collecist è un filtro. Ogni piattaforma è un filtro; nessun spazio espositivo è neutro. Come gli artisti entrano nella piattaforma, come vengono presentate le opere, quali contenuti vengono messi in primo piano  tutto questo sono scelte. E ogni scelta si fa da qualche parte.

Ma la differenza sta qui: Tra negare il filtro e mantenerlo trasparente.

Il sistema galleristico nasconde il filtro, lo fa funzionare in nome della "qualità", ma non dice chi ha definito la qualità. Il mercato presenta il filtro come se fosse una legge naturale economica. Le istituzioni trasmettono i loro criteri, per lo più senza essere messi in discussione, per generazioni.

L'affermazione di Collecist inizia da un punto diverso: Elimina l'intermediario, collega l'artista direttamente al collezionista. Lavora senza commissioni. Elimina l'obbligo di aspettare l'approvazione del guardiano per essere inclusi nel sistema.

Questo non significa essere senza pregiudizi. Significa cercare di rendere visibile il pregiudizio.

Quando il sistema galleristico ignora un artista, quella decisione viene per lo più presa silenziosamente e la motivazione non viene mai spiegata. Su Collecist un artista c'è o non c'è, e questa situazione è lì, con le opere di quell'artista, direttamente, davanti al pubblico.

Certo, anche questa non è una cornice perfetta. Ma è un punto di partenza più onesto.

Ogni occhio guarda da qualche parte: questo non è possibile cambiarlo.

Ma è possibile chiedersi da dove viene lo sguardo. Porre quella domanda è una responsabilità che possono assumere sia lo spettatore che l'artista che Collecist come piattaforma.

Greenberg voleva la purezza, ma creò un canone. Berger disse che lo sguardo si impara, e aveva ragione. Danto mostrò il potere della cornice, e disturbò. Questi tre critici dissero cose molto diverse tra loro, ma sotto tutti e tre giace la stessa domanda:

Per chi stiamo vedendo l'arte?

La risposta di Collecist non deve essere semplice. Ma deve essere onesta.

Forse la posizione istituzionale più forte è questa: "Sappiamo di non vedere giusto. Ma stiamo cercando di vedere di più."

Collecist: Art's Quiet Space 
Per sentire ogni voce abbiamo prima imparato ad abbassare la nostra.