Ma questa era arte?

Cucinare Può Essere Arte?

Questo lavoro di Tiravanija creò una rivoluzione nel mondo dell'arte. Perché non c'era un'"opera" nel senso classico del termine. Non c'era un oggetto che si potesse acquistare. Ma l'esperienza vissuta da coloro che arrivarono in galleria quella sera, il cibo che condivisero, le conversazioni che instaurarono - erano forse meno preziose di un'opera d'arte?

Il curatore francese Nicolas Bourriaud definì questo tipo di lavori "estetica relazionale". Secondo lui, l'arte ora riguarda più la creazione di relazioni tra le persone che la produzione di oggetti. Mentre un quadro resta appeso in una cornice, il cibo di Tiravanija riuniva le persone, le faceva parlare, condividere.

L'artista tedesco Joseph Beuys anni prima aveva detto "Ognuno è un artista". Forse intendeva questo: la creatività non si limita ad appendere quadri alle pareti delle gallerie. Anche modellare le relazioni sociali è una forma d'arte.

Il Manifesto che Non Finisce Mai

Nel 1998 il designer Bruce Mau pubblicò il suo famoso testo "Manifesto Incompleto per la Crescita". Notate la contraddizione nel nome: come può esistere un manifesto incompleto?

La risposta di Mau è tagliente: "La completezza è morte."

Quando considerate un'opera d'arte "finita" e la incorniciate, la congelate, la separate dalla vita. Ma la vera creatività è viva, si sviluppa, cambia. Uno dei punti del manifesto di Mau dice: "Ricordate, anche il fallimento fa avanzare la carriera. L'autocompiacimento di fronte al fallimento è il vero fallimento."

Questo pensiero si allinea con il movimento "happening" degli anni '60. Gli artisti happening creavano eventi pianificati in anticipo ma incontrollabili. Ogni spettacolo era diverso, irripetibile. L'opera si dissolveva dopo essere stata realizzata una volta - proprio come la vita stessa.

Il compositore americano John Cage portò questa comprensione nella musica. Nel suo famoso pezzo "4'33"" il pianista non suona nessuna nota per tre movimenti. La musica consiste nei colpi di tosse della sala, nei suoni del traffico, negli irrequieti movimenti degli spettatori. La domanda che pone Cage è semplice ma inquietante: il silenzio non è musica?

L'Opera Creata dal Lettore

Lo scrittore e pensatore italiano Umberto Eco pubblicò nel 1962 un testo importante intitolato "Opera Aperta". Secondo Eco, ogni opera d'arte è per natura "aperta" - cioè il suo significato non può essere fissato, si completa con l'interpretazione dello spettatore.

Pensateci: il sorriso della Gioconda è nel quadro o nelle menti di milioni di persone che l'hanno vista? Ogni sguardo crea in realtà una Gioconda diversa. Questo è quello che dice Eco: l'opera d'arte non è solo quello che crea l'artista, ma la relazione che lo spettatore stabilisce con quella cosa.

Questa prospettiva sposta l'arte dall'oggetto alla relazione. Quando scrivete un romanzo, la vostra opera finisce non appena il libro viene stampato? No. L'opera viene ricreata nella mente di ogni lettore, acquisisce significati diversi.

L'arte digitale ha portato questa apertura al culmine. Un'opera creata da un algoritmo è diversa ogni volta che viene eseguita. Un'installazione interattiva prende forma con il tocco del visitatore. Ora ci chiediamo: dove finisce l'opera, dove inizia l'esperienza?

L'Oggetto che Scompare nell'Era Digitale

Nel 2021 un NFT dell'artista digitale Beeple fu venduto per 69 milioni di dollari. Cosa comprò l'acquirente? Non un quadro che potesse tenere in mano, ma un file digitale registrato sulla blockchain. Cioè... un codice. Ma del valore di 69 milioni di dollari.

Questo evento è in realtà il risultato di un lungo processo. Negli anni '60 gli artisti concettuali dissero "L'idea è l'opera stessa". Negli anni '70 la performance art sostituì il momento all'oggetto permanente. Negli anni '90 nomi come Tiravanija trasformarono le relazioni sociali in arte. E ora negli anni 2020 con gli NFT l'arte si è completamente dematerializzata.

Forse l'arte non è mai stata veramente legata alle "cose". È sempre stata legata all'esperienza, al significato, alle relazioni e alla trasformazione. Anche i magnifici quadri del Rinascimento erano in realtà degli strumenti: per stabilire una connessione con il divino, trasmettere la storia, sperimentare la bellezza.

Oggi questi strumenti stanno cessando di essere materiali. E forse questo non è una perdita, ma una liberazione.

Il Potere del Vuoto

L'antico filosofo cinese Lao Tzu dice: "Il vaso è fatto di argilla ma quello che lo rende utile è il vuoto."

Creare senza oggetti non significa rifiutare l'arte. Al contrario, significa tornare all'essenza dell'arte. La creatività non è un prodotto ma un processo. Il significato dell'arte non è nell'oggetto ma nella relazione.

La cucina di Tiravanija, il silenzio di Cage, le opere aperte di Eco - tutti indicano la stessa verità: le esperienze artistiche più profonde a volte non lasciano nessun oggetto dietro di sé. Lasciano solo un momento, una sensazione, un cambiamento.

Forse l'opera d'arte più radicale è quella che non esiste mai ma si sente ovunque. L'opera che riecheggia nel vuoto, che viene condivisa, vissuta, che trasforma.

L'opera creata senza oggetti.

Questo articolo è una ricerca sulla creatività post-oggetto nelle pratiche artistiche contemporanee. È stato preparato dalla piattaforma d'arte digitale turca COLLECİST con l'obiettivo di contribuire  con un briciolo di discorso artistico  al campo dell'arte.