Über den stillen Raum der Kunst, Zeit und Arbeit im Zeitalter der zerstreuten Aufmerksamkeit

Collecist Kunstnotizen · 10. November 2026

Wirst du diesen Text bis zum Ende lesen? Vielleicht schon, vielleicht wechselst du im zweiten Absatz zu etwas anderem; beides gehört zum Blick von heute. Dieser Text versucht, diesen Blick zu verstehen, ohne ihn zu verurteilen: einen Blick, der zugleich flüchtig und tief, vergänglich und wiederkehrend ist. Für den stillen Raum von Collecist schlägt er ein entsprechendes Maß vor: nicht den Gipfel, sondern die Spur; nicht die Zahl, sondern die Verbindung.

Die Zahlen sprechen eine andere Sprache

Nach jedem Beitrag schauen wir auf denselben Bildschirm: Likes, Speicherungen, Shares, Seitenaufrufe. Wir versuchen seit Langem, diese Zahlen zu lesen. Was wir sehen: Die Zahlen sprechen eine Sprache, aber nicht die Sprache unserer Fragen.

Manchmal macht eine dreizeilige Notiz die Runde. Manchmal erregt eine Überschrift Aufmerksamkeit, doch das Interesse bleibt an der Tür; nur wenige lesen weiter, nur wenige wechseln zur Website. Unsere „Hinter einem Werk"-Lesungen wecken manche Woche echte Neugier, andere Wochen vergehen sie still.

Ein Werk, das schichtweise gelesen werden möchte, wird manchmal mit einem einzigen Blick überflogen; ein Beitrag, den wir nie erwartet hätten, sammelt Neugier. Manche Follower bauen eine Verbindung zu einem Werk auf und wollen mehr; andere begegnen ein, zwei Werken und ziehen weiter.

Und es gibt etwas, worüber wir nachdenken. Das kostenlose Profil, null Provision, der gesamte Verdienst verbleibt beim Künstler: Das sind aufregende Rechte, doch gemessen am Maßstab des Feeds bleiben sie still. Sie produzieren kein Dopamin – und vielleicht sollten sie das auch nicht.

Beim Blick auf dieses Bild kam uns ein Satz in den Sinn: Als ob eine Kunst der Ablenkung mit einer zerstreuten Aufmerksamkeit eine Antwort findet. Dieser Text folgt jenem Satz.

Der hybride Blick

Die einfachste Erklärung wäre: Das Publikum ist unaufmerksamer geworden, der Feed macht alles oberflächlich. Doch die Aufmerksamkeit ist nicht verschwunden; sie hat ihre Form gewandelt. Die Kamera in unserer Tasche hat sogar die Regeln der Museen verändert: Säle, in denen Fotografieren einst verboten war, erwarten heute Werbung durch die Bilder, die Besucher teilen.

Auch der stille, einsame und lange Blick ist nicht so alt, wie man meint. Bis zum Ende des neunzehnten Jahrhunderts schaute das Publikum im Theater ebenso aufeinander wie auf die Bühne; Galerien waren Orte des Gesprächs. Der disziplinierte Blick kam gewissermaßen mit dem elektrischen Licht: Die Bühne erhellte sich, der Saal verdunkelte sich, das Scheinwerferlicht lenkte den Blick an die Wand.

Die Kunsthistorikerin Claire Bishop beschreibt den heutigen Blick als „kontinuierlich hybrid": sowohl vor Ort als auch über den Bildschirm, sowohl flüchtig als auch tief, sowohl individuell als auch kollektiv. Daher kommt auch der Titel dieses Textes. Wir müssen unsere Follower nicht als „unaufmerksam" abtun; die Sehnsucht nach dem stillen, einsamen Galeriebesucher ist kein Ausweg. Collecist ist bereits ein auf einem Telefonbildschirm geöffneter Ausstellungsraum; unser Publikum kommt mit einem hybriden Blick.

Was zählt das Herz?

Ein Herz zählt einen Reflex, keine Begegnung. Um das zu verstehen, muss man zwei Dinge betrachten: wie der Feed aufgebaut ist und wozu das Bild im Feed wird.

Arthur Jafas Video Apex entstand 2013, in den Jahren, in denen sich die Logik des Feeds veränderte. Der strömende Inhalt verschob sich damals von der zeitlichen Reihenfolge zur „Relevanz", das heißt zur Klickfalle. Seitdem bestimmt nicht mehr, wann etwas geteilt wurde, sondern wie sehr es uns zum Innehalten bringt, was wir sehen. Das heißt: Unsere Zahlen erzählen uns zuerst, wem der Algorithmus unsere Inhalte gezeigt hat, bevor sie erzählen, was der Follower dabei gedacht hat.

Trevor Paglen greift, ausgehend von Harun Farocki, einen Begriff auf: das „operative Bild" – Bilder, die nicht durch das, was sie darstellen, sondern durch das, was sie tun, definiert werden. Diese Bilder existieren, um einen unbewussten, spontanen, emotionalen Reflex auszulösen. Jedes Werk, das in den Feed fällt, wird in gewissem Maße in diese Form gepresst: Es wird daran gemessen, was es im Bruchteil einer Sekunde auslöst.

Der letzte Abschnitt des Videos Literally No Place (2023) von Daniel Felstead und Jenn Leung zeigt diesen Mechanismus fast wie ein Spiegel. Von KI generierte Bilder flackern in einem schweren Rhythmus an der Schwelle der Lesbarkeit; wie ein aus dem endlosen Scrollen herausgeschnittenes Stück. Ein Essay über dieses Video schreibt, dass dieses Tempo kontinuierliche Befriedigung verspreche und sie stets aufschiebe und eine unblinzelnde, maschinelle Wahrnehmung verlange.

Daher rührt die Inkonsistenz unserer Zahlen. Der Beitrag, der ins Schwarze trifft, ist meistens der, der dem Auslöser entspricht: ein prägnanter Satz, ein vertrautes Bild, ein unerwarteter Kontrast. Tiefe hingegen arbeitet nach einer anderen Uhr. Das stille Übergehen eines tiefen Werkes ist keine Niederlage des Werkes, sondern eine Grenze des Messinstruments.

Die Stunde der Arbeit, die Stunde des Blicks

Hinter einem Werk laufen drei verschiedene Uhren, und keine von ihnen dreht sich mit derselben Geschwindigkeit. Die Uhr des Künstlers wird in Monaten, manchmal Jahren gemessen: die Schichten einer Leinwand, das Warten im Töpferofen, eine Serie, die aufgegeben und neu begonnen wurde. Unsere Uhr wird in Tagen gemessen: ein Werk auswählen, es betrachten, eine „Hinter einem Werk"-Lesung schreiben. Die Uhr des Betrachters hingegen in Sekunden.

Diese Lücke ist nicht allein die Schuld des Feeds. Auch die zeitgenössische Kunst selbst produziert seit Langem Werke, die nicht in ihrer Gänze erfasst werden können. Videos, die zu lang sind, um sie von Anfang bis Ende anzusehen, Dokumentenstapel, deren Lektüre Wochen dauern würde – das sind die augenfälligsten Beispiele. Das auf Recherche basierende Publikum nähert sich der Kunst ohnehin durch Überfliegen und Stichproben. Fragmentiertes Schauen ist keine Ausnahme mehr, sondern eine Bedingung.

Eines muss noch anerkannt werden: Auch Aufmerksamkeit ist Arbeit. Wenn ein Betrachter bei einem Werk verweilt, gibt er einen Teil seiner eigenen Zeit; in einer Welt, in der die Zeit von allen Seiten beschnitten wird, ist das keineswegs ein geringer Anteil. In einem unserer an Sammler gerichteten Plakate hatten wir geschrieben: „Manche flüstern. Du beugst dich." Sich zu beugen bedeutet, dem Betrachter Arbeit abzuverlangen.

Das provisionsfreie Modell schützt den Verdienst des Künstlers; doch es kann nicht schützen, dass seine Arbeit gesehen wird, also die Zeit. Daher lautet unsere eigentliche Frage: Wie überbrücken wir die Lücke zwischen der Dauer der Arbeit und der Dauer des Blicks? Unserer Meinung nach ist die Antwort nicht, die Lücke zu schließen, sondern ihr Stufen zu bauen.

Jeder Beitrag kann eine unterschiedlich lange Zeit anbieten: einen dreisekündigen Satz, eine dreißigsekündige Überschrift, eine dreiminütige Kurzlektüre, einen halbstündigen langen Text. Das kurze Wort ist die Tür, die Lektüre ist das Zimmer. Ein Satz, der die Runde macht, ist kein Verrat an der Tiefe, sondern ein Eingang. Man muss nur Tür und Zimmer getrennt zählen und sich nicht wundern, dass nicht alle, die durch die Tür treten, auch ins Zimmer gelangen.

Ein Recht ist ein Fundament

Das kostenlose Profil und null Provision sind ein Recht; ein Recht aber ist kein Reizmittel, sondern ein Fundament. Niemand bekommt Dopamin von dem Fundament, auf dem er steht. Freiheit leuchtet nicht wie ein Funken auf; sie wird erst bemerkt, wenn sie fehlt.

Es gibt eine zweite Schwierigkeit. In der Plattformökonomie wird das Wort „kostenlos" oft mit Misstrauen begegnet, denn die Menschen haben gelernt, dass sich hinter demselben Wort ein anderer Preis verbergen kann. Deshalb kann unsere Kostenlosigkeit leicht übersehen werden, wenn sie nicht erklärt wird. In unserer Reihe „Grundprinzip" haben wir es so formuliert: „Provisionslosigkeit ist kein Preis, sondern eine Haltung." Eine Haltung ist nicht von selbst sichtbar; sie muss ausgesprochen, immer wieder ausgesprochen werden.

Sollen wir also versuchen, Begeisterung zu erzeugen? Kurze, schlagende, schnell verbreitete Kunstgesten zeigen das Ende dieses Weges: Wie alles, was sich verbreitet, wächst es schnell, wird schnell konsumiert und verfault; hinter sich lassen sie meistens eine zynische Mattigkeit. Für Collecist zu versuchen, Dopamin zu erzeugen, hieße, in denselben Kreislauf einzutreten.

Doch Dopamin und Erwartung sind nicht dasselbe. Dopamin ist der Reiz des Augenblicks; Erwartung ist eine auf morgen verschobene Neugier. Zu wissen, dass eine Reihe weitergeht, dass ein Name am nächsten Tag erschlossen wird, dass eine wöchentliche Schaufensterausstellung regelmäßig kommt – das nährt die Erwartung. Deshalb haben wir die Reihe „Der unsichtbare Künstler" aufgebaut: das Werk heute, der Name morgen. Die Begeisterung wird nicht aus Rechten entstehen, sondern aus Menschen, Werken und Kontinuität.

Resonanzverständnis

Tiefe zeigt sich nicht immer als unmittelbare Reaktion; oft bleibt sie als Spur zurück. Ein Ausdruck, dem wir in einer Ausstellungskritik begegnet sind, beschreibt dies treffend: „resonanzartiges Verstehen". Das Werk zieht an uns vorbei, das Begreifen zerstreut sich, doch im Geist bleibt ein Summen.

Das gilt auch für ein tiefes Werk, das im Feed still übergangen wird. Stille bedeutet nicht, dass dieses Werk nie betrachtet wurde; der Blick fällt manchmal nicht ins Herz, sondern ins Gedächtnis. Auch der Bildschirm ist kein Feind der Tiefe; es hängt davon ab, was gezeigt wird und wie es platziert wird.

In unserem Text „Rauschen und Spur" hatten wir das Rauschen von der Spur getrennt. Jetzt ist es an der Zeit, diese Unterscheidung auf das Maß zu übertragen: nicht den Gipfel, sondern die Spur betrachten. Ein wiederkehrender Besucher, jemand, der dasselbe Werk ein zweites Mal betrachtet, eine Nachricht, die Wochen später eintrifft, ein Beitrag, der gespeichert und nicht vergessen wurde.

Der Goldfisch erinnert sich

Das verbreitetste Bild zur Verachtung des Betrachters ist der Goldfisch. Sein Gedächtnis, so heißt es, dauere zwei Sekunden – doch das ist ein Mythos; die Behauptung, die Aufmerksamkeitsspanne des Menschen sei inzwischen noch kürzer, kursierte eine Zeitlang überall, ihre Grundlage war aber stets schwach. Ein Symposium im Rahmen der Gwangju Biennale 2018 trug einen Titel, der diesen Mythos umkehrte: „Der Goldfisch erinnert sich." Laut einem in diesem Jahr in e-flux veröffentlichten Text von Lucy Steeds deutete David Teh, der den Titel gewählt hatte, darauf hin, dass ein vergesslicher kuratorischer Kreislauf überwunden werden kann.

Dieser Titel arbeitet für uns in zwei Richtungen. Erstens in Bezug auf das Publikum: Unser Follower ist kein Goldfisch. Auch wenn er an einem Werk vorbeiscrollt, kehrt es manchmal Wochen später mit einer Nachricht, einem Besuch, einer Frage zurück. Weniger ein vergessendes Publikum als vielmehr eines, das das Erinnern auf den nächsten Tag verschiebt.

Zweitens in Bezug auf uns: Das Vergessliche ist oft der Feed selbst. Der Beitrag von gestern ist im Feed von heute vergraben. Steeds übernimmt von Saloni Mathur die Idee der „Wieder-Arbeit": Die bewusste Neuschreibung der Vergangenheit kann neue Gemeinschaften und neue Blickrahmen schaffen. Für uns ist die Entsprechung einfach: ein Werk, das letzten Monat still vergangen ist, erneut zu zeigen, Monate später zu demselben Künstler zurückzukehren, das zu erinnern, was der Feed vergessen hat.

Eine Szene aus der Biennale Sydney 2020, die Steeds schildert, berührt auch die Ausgangsfrage dieses Textes. Eines der stärksten Objekte in der Ausstellung war etwas, das „leicht übersehen werden konnte": ein cremefarbener Zylinder in Kindergröße, der auf einem Handkarren lehnte, als wäre er gerade angekommen und würde nicht lange bleiben. Aus der Nähe traten die Vertiefungen auf seiner Oberfläche hervor. Es war der dreidimensionale Druck eines heiligen Baumstamms, der von Kolonisatoren gefällt und fortgetragen worden war.

Steeds schreibt, dieses Objekt habe die gesamte Struktur um es herum still erschüttert und aufgelöst. Für ein tiefes Werk, das im Feed still übergangen wird, kennen wir keine bessere Erinnerung: Das Mächtigste ist manchmal das, was am leichtesten übersehen wird.

Ein Einschnitt im Feed

Wir können kein Wettrennen mit dem Feed veranstalten; aber wir können ein Einschnitt im Feed sein. Diese Idee nehmen wir wiederum von Jafas Apex.

Das Thema von Apex ist völlig anders und weitaus schwerer: Bilder von Gewalt gegen Schwarze, Science-Fiction-Schrecken, berühmte Gesichter, dystopische Zukünfte. Die Bilder fließen schnell an der Schwelle der Lesbarkeit, genau wie im Video von Felstead und Leung. Doch Jafa vollzieht einen formalen Zug: leere Schnitte, die die Fülle, das Grauen und die Kraft jedes Bildes teilen. Der Musiker und Autor DeForrest Brown Jr. nennt etwas Ähnliches einen „Geistrhythmus": eine gehörte Abwesenheit, die mehr gefühlt als gehört wird.

Den Ausdruck „stiller Raum der Kunst" möchten auch wir so lesen. Das ist kein Rückzugsslogan, sondern ein Einschnitt. Unter die drei Punkte unserer fünften Plakat-Serie „Sehen" hatten wir geschrieben: „Diese Leere füllt sich mit dir." Der Feed will alles füllen; der stille Raum lässt bewusst leer, denn der Betrachter kann nur in das kommen, was leer gelassen wurde.

Das hat auch eine alltägliche Entsprechung. Anstatt ein tiefes Werk mit mehr Worten zu drängen, ihm mehr Raum zu öffnen. Anstatt eines alles erklärenden Textes eine Frage, ein verborgener Name, ein unvollendeter Satz. Wenig Worte, weiter Raum.

Die bevorstehenden Schwierigkeiten

Den stillen Raum zu verteidigen ist leicht; ihn am Leben zu erhalten ist schwer. Wir listen die bevorstehenden Schwierigkeiten ohne Beschönigung auf.

1. Maßlosigkeit. Die Zahlen, die wir haben, zählen nicht das, was wir brauchen. Es gibt kein fertiges Instrument, das Verbindungen misst; wir müssen es selbst aufbauen.
2. Gemieteter Boden. Der Ort, an dem wir sprechen, gehört uns nicht. Der Algorithmus entscheidet, wer was sieht, und ein Großteil unserer Zahlen ist seine Entscheidung.
3. Zeitdiskrepanz. Die Uhr des Werkes läuft in Monaten, die Uhr des Feeds in Sekunden. Diese Lücke wird sich nicht schließen; sie kann nur durch Stufen überbrückt werden.
4. Die Unsichtbarkeit des Kostenlosen. Kostenlos und provisionslos zu sein ist eine Haltung, doch wenn sie nicht erklärt wird, wird sie leicht übersehen.
5. Die Einmal-Berührungsverbindung. Eine dünne Verbindung, die über ein, zwei Werke entsteht, reißt, wenn keine Fortsetzung kommt. Folgen ist keine Bindung.
6. Unsichtbare Arbeit. Die Tage hinter einer Lektüre, der Auswahlprozess hinter einem Schaufenster sind unsichtbar. Solange Arbeit unsichtbar ist, lässt sich ihr Wert nicht ermessen.
7. Die Nischen-Falle. Die Gefahr, sich beim Verteidigen der Stille in einem kleinen Kreis einzuschließen. Auch der Essay über KI und Populismus macht dieselbe Warnung: Radikale Inhalte, die auf Plattformen kursieren, können leicht zu einer kleinen Subkultur werden, die an den Rand des Algorithmus gedrängt wurde.
8. Unser eigenes Dopamin. Das ist das schwerste Eingeständnis: Wir schauen auch auf die Zahlen, wir warten auch auf das Zucken eines Herzens. Wenn wir das Maß des Feeds verinnerlichen, verwandeln wir den stillen Raum mit eigenen Händen in Lärm.

Von Sichtbarkeit zu Verbindung

Sichtbarkeit allein baut nichts auf; sie muss in Verbindung verwandelt werden. Der Essay über KI und Populismus, den wir gelesen haben, gelangt zum selben Punkt. Digitale Kultur wird erst dann transformativ, wenn sie jenseits des Bildschirms etwas Dauerhaftes erzeugt. Verbreitung reicht nicht; was sich verbreitet, muss sich in Freiwillige, in eine langfristige Organisation, in eine Struktur verwandeln. Ästhetik allein reicht nicht.

Für einen Kunstraum ist diese Struktur eine Reihe von Verbindungen. Wir sehen vier Stufen, die den Follower aus der Zahl herauslösen:

1. Unterstützung. Auch ein Herz ist Unterstützung, aber die leichteste. Speichern, einem Freund zeigen, dem Künstler zwei Zeilen schreiben: Je schwerer die Unterstützung, desto tiefer die Verbindung.
2. Zugehörigkeit. Das Gefühl: „Ich bin auch hier." Zu spüren, dass Collecist ein Raum ist, den Künstler, Autoren, Sammler und Betrachter gemeinsam aufbauen. Deshalb öffnen wir unseren Monatsbrief mit: „Liebe, deren Farbe noch nicht getrocknet ist, die den Ton noch in den Händen halten…"
3. Aneignung. Einen Künstler, ein Werk als „meine Entdeckung" zu hüten. Hier liegt eine Feinheit: Aneignung kann leicht in Besitzergreifen übergehen. Was wir meinen, ist nicht Besitzergreifen, sondern Hüten. Ein Werk zu kaufen ist auch eine Aneignung, aber nicht die einzige Form; seinen Namen zu nennen, seiner Spur zu folgen, es weiterzutragen ist ebenfalls Aneignung.
4. Leichte Verantwortung. Keine schwere Last; eine kleine, aber Kontinuität erfordernde Übernahme. Einmal im Monat einem Künstler einen Kommentar schreiben, zu einer Auswahl eine Meinung äußern, ein Werk an einen Freund schicken. Weil es leicht ist, lässt es sich tragen; weil es kontinuierlich ist, schafft es Verbindung.

Zugehörigkeit gibt kein Dopamin. Doch sie hinterlässt etwas, das Dopamin nicht loslassen kann: den Wunsch zurückzukehren. Auch die kostenlosen und provisionsfreien Rechte beginnen erst an diesem Punkt, aufregend zu werden: Ein Fundament gewinnt Bedeutung für diejenigen, die spüren, dass sie darauf stehen.

Der Rand, der Ort, der das Ganze zusammenhält

Die Biennale Sydney 2020 hieß NIRIN. Der künstlerische Leiter Brook Andrew hatte dieses Wort aus der Sprache seiner Mutter, dem Wiradjuri, entnommen; die einfachste Übersetzung lautet „Rand". Die an der Ausstellung beteiligte Künstlerin Rosana Paulino verglich ihn mit einem Spinnennetz, das Menschen und Ideen miteinander verbindet: eine Grenze, an der die Dinge verbunden bleiben.

Auch Collecist steht an einem Rand: am Rand großer Institutionen, Galerien und Messen. Unter den Schwierigkeiten haben wir diese Position als Gefahr gezählt: die Nischen-Falle. NIRIN schlägt eine andere Lesart vor. Laut Steeds bestand die eigentliche Strategie dort darin, gleichzeitig am Rand zu stehen und das Ganze zusammenzuhalten. Der Rand ist nicht das Verweilen am äußersten Zipfel; er ist der Ort, an dem die Verbindung sich hält.

Zwei Details aus Steeds' Text beleuchten die Stufen, die wir im vorigen Abschnitt aufgezählt haben. Anstelle der üblichen, sich verbergenden Absperrungen der Museen, die Besucher davor schützen, auf am Boden stehende Werke zu treten, wurden strahlend gelbe Straßenbarrikaden verwendet. Steeds schreibt, diese Barrikaden riefen den Betrachter dazu auf, mit Sorgfalt eine Verbindung herzustellen. Leichte Verantwortung ist genau das: Komm nah, aber mit Sorgfalt.

Das zweite Detail betrifft die Aneignung. Die Lajamanu-Künstler, die an der Biennale Sydney 1982 mitgewirkt hatten, hatten es später abgelehnt, dass ihre veröffentlichten Worte in anderen Kontexten wiederholt wurden. Die Bedeutung konnte nicht von anderen aufgenommen und weiterverwendet werden; sie verblieb bei ihnen. Ein Werk anzueignen bedeutet nicht, sich seiner Bedeutung zu bemächtigen. Die Bedeutung verbleibt beim Künstler; wir hüten sie nur.

Schließlich schreibt Steeds, dass NIRIN auch der heutigen Kunst-Geld-Ordnung widersprach, die die Ausstellung auf bloße Wertakkumulation und Kauferwartungen reduziert. Als wir Provisionslosigkeit als eine Haltung verteidigten, sagten wir genau das: Der Wert eines Werkes lässt sich nicht an dem Geld messen, das dafür genommen wird.

Haltung

Aus diesem Text ziehen wir neun Sätze für Collecist:

1. Ein Herz zählt einen Reflex, keine Begegnung.
2. Der Betrachter ist kein Goldfisch; er erinnert sich. Und wir erinnern auch.
3. Wir rennen nicht mit dem Feed um die Wette; wir öffnen einen Einschnitt im Feed.
4. Das kurze Wort ist die Tür, die Lektüre ist das Zimmer; wir zählen beide getrennt.
5. Wir messen nicht den Gipfel, sondern die Spur: die Rückkehr, den zweiten Blick, den eintreffenden Brief.
6. Die Stunde der Arbeit ist länger als die Stunde des Blicks; das ist kein Fehler, sondern die Natur der Kunst.
7. Was kostenlos ist, ist nicht wertlos; sein Preis wird mit Aufmerksamkeit bezahlt.
8. Am Rand zu stehen bedeutet nicht, am äußersten Zipfel zu verweilen; die Verbindung hält sich am Rand.
9. Ein Follower ist eine Zahl; wer sich aneignet, ist eine Verbindung.

Morgen werden wir wieder auf denselben Bildschirm schauen; die Zahlen werden wieder ihre eigene Sprache sprechen. Doch wir können unsere Frage ändern: Statt „Wie viele haben geschaut?" – „Wer ist zurückgekehrt?"

Wie viele Sekunden ist ein Herz wert? Vielleicht eine. Doch ein einziger zurückkehrender Blick kann den Monaten eines Werkes entsprechen. Wenn du bis zu dieser Zeile gekommen bist, gehörst auch du zu diesen Blicken.

Collecist — Der stille Raum der Kunst

Quellen

• Claire Bishop, Disordered Attention: How We Look at Art and Performance Today, Verso, London und New York, 2024.
• Lucy Steeds, „Der Goldfisch erinnert sich: Über die kuratorische Flexibilität von Ausstellungsgeschichten", e-flux Journal, Ausgabe 166, Oktober 2026.
• Hito Steyerl, The Island, Fondazione Prada, Mailand, 2026: eine Kritik über die Ausstellung (der Ausdruck „resonanzartiges Verstehen").
• Ein Essay über KI, Technopopulismus und Kunst. Behandelte Werke: Daniel Felstead und Jenn Leung, Literally No Place (2023); Arthur Jafa, Apex (2013); DeForrest Brown Jr., Black Nationalist Sonic Weaponry (2020). Trevor Paglens Begriff des „operativen Bildes" stammt ebenfalls aus diesem Essay.