Was Genau Ist Dein Problem? Ein Gespräch mit Elif Zaim.

Elif Zaim lässt die Tinte ins Wasser fließen und befragt dann das Werk. 
Interview mit Elif Zaim. Geführt von: S. Çağatay Özkefeli

In Elif Zaims Arbeiten hat meist nicht die Hand der Künstlerin das letzte Wort, sondern die Tinte, die im Wasser ihren eigenen Weg findet. Nach einem Weg, der von der Soziologie über Marketingkommunikation bis hin zu den Traditionellen Türkischen Künsten führt, bringt sie die maßvolle Musterordnung der Çini-Kunst und die unvorhersehbare Ausbreitung der Tinte auf demselben Papier zusammen. In Werken wie Stammbaum, Ursprung und Allianz wird die Teilung einer Zelle und das Auseinanderfallen einer Familie mit denselben Zeichen erzählt. Mit Zaim sprachen wir an jenem Schwellenpunkt, wo Hingabe und Befreiung sich kreuzen, darüber, wie die Tradition in die Gegenwart getragen wird und wie der Mensch inmitten des Lärms einen stillen Raum für sich schaffen kann. Das Interview entstand anlässlich der Ausstellung Grammatik des Zufalls, die bis zum 28. Dezember 2026 bei Collecist zu sehen ist.

Die Kontrolle dem Wasser überlassen

S. Çağatay Özkefeli: In Ihren Arbeiten ist es meist nicht Ihre Hand, sondern die eigene Entscheidung des Wassers und der Tinte, die bestimmend ist. Ist jener Moment, in dem die Kontrolle endet und das Material übernimmt, für Sie eine Hingabe oder eine Befreiung? Wie fühlt es sich an, an dieser Schwelle zu stehen?

Elif Zaim: Es ist im vollen Sinne ein Befreiungsprozess. Einer der Momente, die ich während der Produktion am meisten liebe und bei denen ich mich am wohlsten fühle, ist die unvorhersehbare Ausbreitung der Tinte im Wasser, wenn sie ihren eigenen Charakter entfaltet. In diesem Augenblick verspüre ich keinerlei Bedürfnis einzugreifen; ganz im Gegenteil warte ich voller Spannung darauf, auf welche Möglichkeit ich treffen werde. Allerdings glaube ich nicht, dass Bestimmtheit und Zufälligkeit an diesem Punkt völlig voneinander getrennt sind. Den Raum der Möglichkeiten lege ich fest. Ich kann nicht kontrollieren, wie sich die Tinte verhält, aber den Bereich, in dem sie sich ausbreitet, die Grenzen der Komposition und die Beziehungen innerhalb des Ganzen bestimme ich. Ich arbeite also mit einer Möglichkeit innerhalb definierter Grenzen. Die Frage der Schwelle ist für mich allerdings ein wenig schmerzhaft. Die Komposition zu gestalten, die Möglichkeiten zu durchdenken und die richtigen Grenzen zu setzen, bevor die Tinte ins Wasser gelassen wird – das ist ein sehr intensiver Prozess. Aber nachdem ich diese Schwelle überschritten habe, empfinde ich eine große Erleichterung, da ich die Landschaft, die mich erwartet, nun sehe, und beginne, Freude daran zu finden. 

Von der Zelle zur Verwandtschaft

S. Çağatay Özkefeli: Ihre Reise von der Soziologie zu den Traditionellen Türkischen Künsten ist in Ihren Arbeiten deutlich ablesbar. In Werken wie Stammbaum, Ursprung und Allianz sehen wir biologische Formen und gesellschaftliche Bindungen in einem Atemzug. Wie entstand bei Ihnen die Idee, die Teilung einer Zelle und das Auseinanderfallen einer Familie, einen Kern und einen Ursprung mit demselben Zeichen zu erzählen?

Elif Zaim: Mein künstlerischer Produktionsprozess beginnt in der Regel nicht von einem Gedankensystem, einer Philosophie, einer Theorie oder einem bestimmten Ereignis aus. Ich habe eine eher impulsive, intuitive Arbeitsweise, die für mich eine Art Therapiefunktion erfüllt. Oft produziere ich, ohne irgendetwas erklären zu wollen. Wenn ein Werk fertig ist, stelle ich es mir gegenüber und frage mich: „Was genau willst du sagen?" Die Antworten, die ich danach gebe, bilden den gedanklichen Rahmen des Werkes. Deshalb sind Beziehungen wie Zelle, Kern, Ursprung, Familie oder gesellschaftliche Bindungen für mich meist nicht der Ausgangspunkt der Produktion, sondern Bereiche, die ich nach der Produktion entdecke. Dass ich nach meinem Soziologiestudium einen Master in Marketingkommunikation gemacht und darüber hinaus eine Ausbildung in Traditionellen Türkischen Künsten absolviert habe, hat natürlich einen sehr großen Einfluss auf diese Lesarten. Die Soziologie und Marketingkommunikation lehrten mich, menschliche Beziehungen und gesellschaftliche Strukturen zu lesen, meine Kunstausbildung hingegen lehrte mich, über Form, Rhythmus, Wiederholung und Komposition nachzudenken. Ich glaube, diese beiden Bereiche sprechen miteinander in meiner Produktionssprache, ohne dass ich es bemerke. 

Disziplin und Chaos am selben Tisch

S. Çağatay Özkefeli: Die traditionelle Musterordnung der Çini-Kunst und die unvorhersehbare Ausbreitung der Tinte erscheinen auf den ersten Blick wie zwei feindliche Welten. Sie bringen sie auf demselben Papier zusammen. In dieser Begegnung – zähmt eine die andere, oder reizen sie sich gegenseitig und verwandeln sich in etwas Neues?

Elif Zaim: Sie harmonieren auf erstaunliche Weise und verstehen sich sehr gut miteinander. Sie kennen sich sogar sehr gut. Das Verständnis von Disziplin, Wiederholung, Rhythmus und Komposition in den Traditionellen Türkischen Künsten repräsentiert in meinen Werken grundsätzlich bestimmte Phänomene. Diese Muster, die das Unveränderliche repräsentieren, bilden an einem Punkt die Grenzen und Strukturen, während sich die unvorhersehbare Bewegung der Tinte innerhalb dieser Struktur befreit. Sie passen sich sowohl aneinander an als auch öffnen sie einander Raum. Selbst zeitgenössische oder moderne Aussagen können ohne das Traditionelle nicht entstehen. Die Sprache von heute kommt aus der Vergangenheit. Das Wissen und die Erfahrung des Traditionellen leben fort, indem sie sich im zeitgenössischen Schaffen transformieren. 

Zwischen Mikroskop und Teleskop

S. Çağatay Özkefeli: In Ihren Arbeiten gibt es eine wiederkehrende „Augen"- oder „Kern"-Form; manchmal eine Zelle, manchmal ein Planet. Was bedeutet es für Sie, dass dasselbe Zeichen sowohl auf der intimsten als auch auf der kosmischsten Ebene erscheint?

Elif Zaim: Ein wichtiger Grund, warum diese Formen in meinen Arbeiten so intensiv präsent sind, ist, dass ich von Yayoi Kusamas Schaffen ernsthaft beeinflusst wurde. Die Idee, dass alles mit einem Punkt beginnt, die visuelle Welt, die sie über Punktierung und Wiederholung aufbaut, und der Gedanke, den Kosmos zu erreichen, beeinflussten auch meine Produktionssprache. Aber wenn man eine Form immer wieder zu verwenden beginnt, verändert sich mit der Zeit auch die Bedeutung, die sie für einen trägt. Diese Formen, die als Punkt, Kern oder Zelle gelesen werden können, können manchmal wirklich eine mikroskopische Struktur, manchmal ein kosmisches System und manchmal einfach eine Einheit evozieren, die innerhalb der Komposition Rhythmus erzeugt. Diese Maßstabslosigkeit finde ich sehr faszinierend. Dass dasselbe visuelle Zeichen in verschiedenen Maßstäben lesbar ist, ist eine Eigenschaft, auf die ich in meinen Arbeiten achte. 

Der Mut, „fertig" zu sagen

S. Çağatay Özkefeli: In einer Produktion, die mit dem Zufall arbeitet, dürfte der Moment des „Fertig" die verletzlichste Entscheidung sein. Sehen Sie eine vom Wasser hinterlassene Spur manchmal als Fehler und möchten sie korrigieren, oder akzeptieren Sie diesen Fehler als eigene Entscheidung des Werkes? Wann vollendet sich ein Werk Ihrer Meinung nach von selbst?

Elif Zaim: Der Grundlage der Arbeiten liegt diese Hingabe zugrunde. Dieser Teil der Produktion ist für mich so komfortabel und entspannt, dass man, nachdem die Tinte ins Wasser gelassen wurde, ohnehin kaum die Möglichkeit hat, das Ergebnis zu verändern. Deshalb bleibt einem nur noch übrig, das entstehende Ergebnis mit großer Spannung zu erwarten. Was an diesem Punkt wirklich entscheidend ist, ist, wie richtig und befriedigend die Komposition ist. Manchmal ist es möglich, kleine Veränderungen am entstandenen Bild vorzunehmen; aber meistens stelle ich das fertige Werk vor mich und betrachte es lange. Der Moment, in dem ein Werk für mich wirklich abgeschlossen ist, ist der Augenblick, in dem ich es ansehe und kein Bedürfnis mehr verspüre, etwas hinzuzufügen oder zu verändern.

Ein stiller Raum im Zeitalter des Lärms

S. Çağatay Özkefeli: Heute als Künstlerin in der Türkei zu schaffen bedeutet, genau in der Mitte zwischen einer tief verwurzelten Tradition und einer sich rasant digitalisierenden Welt zu stehen. Welchen Wert haben in dieser Fülle an Bildern und Inhalten unabhängige Kunsträume wie Collecist Ihrer Meinung nach? Wie stellen Sie sich die Zukunft der Kunst und des Künstlers in diesem „Zeitalter des Lärms" vor – in wessen Händen und auf welche Weise wird sich diese Zukunft formen?

Elif Zaim: Alle gesellschaftlichen Veränderungen, die stattfinden, sind für mich sehr unterhaltsam und akzeptabel. Einer der Prozesse, den ich am aufmerksamsten und begeistertsten verfolge, ist zu beobachten, wie sich die Gesellschaft und die Produktionsweisen transformieren. Deshalb betrachte ich die Lautstärke des Zeitalters nicht per se als Problem. Das Wichtige ist, wählen zu können, was wir in diesem Lärm hören wollen. Ich denke, dass die Digitalisierung auch für die Kunst einen wichtigen Wandel herbeiführt. Wir befinden uns in einer Zeit, in der die Kunst nicht mehr auf physische Galerien und Ausstellungsräume beschränkt ist und die Distanz zwischen Künstler, Betrachter und Sammler neu definiert wird. Ich sehe diesen Wandel nicht nur als Notwendigkeit, sondern als wichtige Chance für die Kunst, neue Ausdrucks- und Vermittlungsformen zu entdecken. Collecist halte ich in diesem Zusammenhang für wertvoll. Denn es schafft nicht nur einen Raum, in dem Werke digital ausgestellt werden; es öffnet dem Künstler einen direkteren Raum, in dem er seine Produktion, seinen Text und seinen Kontext vermitteln kann. Insbesondere die Unterstützung einer direkten Beziehung zwischen Künstler und Sammler, die über die Grenzen physischer Galerien hinausgeht, ist ein wichtiger Ansatz für unabhängige Kunstproduktion. Dass ein solcher Raum für Künstler aus der Türkei internationale Sichtbarkeit bietet, ist ebenfalls von besonderem Wert. Dass ein Künstler nicht nur sein Werk, sondern auch seine Produktionsweise und seine gedankliche Welt einem Publikum in verschiedenen Teilen der Welt zugänglich machen kann, ist meiner Meinung nach eine der stärksten Seiten des digitalen Kunstbereichs. Was die Zukunft betrifft, so sehe ich kein einziges Modell voraus. Ich glaube, dass die Kunst sich wie die Gesellschaft ständig transformieren wird. Mein Ansatz ist es, die stattfindenden Veränderungen so anzunehmen, wie sie sind, sie zu beobachten und so gut wie möglich zu nutzen. Wir müssen das Rauschen des Zeitalters nicht dämpfen; wir müssen lernen, bei Bedarf unsere eigene Stimme zu dämpfen, uns zurückzuziehen und einen stillen Raum zu schaffen, der uns gehört. Ich denke, dass unabhängige Plattformen wie Collecist in diesem neuen Kunstökosystem ebenfalls eine wichtige Rolle übernehmen können. Solange wir das Physische und das Digitale nicht als Alternativen zueinander, sondern als sich ergänzende Bereiche betrachten können, bin ich überzeugt, dass der Raum, den die Kunst erreichen kann, stetig wachsen wird.

Interview: S. Çağatay Özkefeli Kurator · Collecist