Notes d'Art - Entretien avec F. Neriman Şairoğlu

COLLECIST · NOTES D'ART

Entretien avec F. Neriman Şairoğlu

Le Courage Derrière les Surfaces Déchirées

Entretien mené par : Emin Kadıoğlu 

Neriman Şairoğlu, une figure qui n'a jamais reculé devant l'exploration des limites de la peinture abstraite au cours de plus de trente ans de parcours artistique. Considérant la toile non pas seulement comme une surface, mais comme un terrain archéologique où l'émotion et la mémoire sont excavées et révélées, Şahiroğlu a construit un langage original né de la tension entre le rouge et le noir. Elle a fondé la galerie Pura Art à Caddebostan en 1996, mène des ateliers sans interruption depuis 1997, et a représenté l'art turc dans des expositions et symposiums internationaux. Dans cet entretien, nous avons abordé de nombreux sujets, du premier contact avec la toile à la cyclicité de la vie, de l'expérience de galeriste à sa vision de l'ère numérique.

La Grammaire du Rouge, le Silence du Noir

Dans vos œuvres, le rouge et le noir sont devenus presque une signature. Que signifie pour vous l'utilisation de ces deux couleurs ensemble ?

J'adore la tension entre ces deux couleurs. Je suis Bélier ; le feu, le mouvement et le leadership sont dans ma nature. Le rouge pour moi signifie le feu et la guerre, cela signifie le sang. Le noir, c'est la mort. Donc en fait, la vie et la mort ensemble... Je crois que l'une est l'étape précédente de l'autre. C'est une relation cyclique : tout monte, quelque chose se passe, se renouvelle, se purifie et redescend.

Avez-vous un souvenir particulier avec le rouge ? Qu'est-ce qui vous attire vers cette couleur ?

Je n'ai pas de souvenir particulier mais le rouge correspond directement à mon caractère. Je suis une personne enthousiaste, vous l'avez remarqué. Même en parlant ici, je suis enthousiasmée. Le rouge porte cet enthousiasme. J'achète toujours beaucoup de peinture rouge, cette couleur m'attire. La couleur qui montre le mieux le rouge, c'est le noir. Le blanc rivalise avec le rouge, mais le noir l'embrasse.

Et les blancs que vous projetez par-dessus ?

Les blancs que je projette sur le rouge et le noir s'appellent le rythme. Rien ne vit dans la peinture sans rythme.

Déchirer la Toile : L'Archéologie de la Mémoire

La peinture est un art de surface. Pourtant, vous voulez percer cette surface. Pourquoi ?

Je cherche la profondeur. Je veux que la peinture perce le mur. Je cherche la troisième dimension. Pour cela, au besoin je déchire, au besoin je fais ressortir, au besoin je ferme. Au moment où j'interviens sur la surface, j'utilise toutes les possibilités pour saisir cette troisième dimension que je cherche.

Que se passe-t-il dans votre esprit au moment de cette intervention ?

Quand je fais cela, je sors de mon identité de Neriman. Il ne reste que la main et l'œil. Là où la main et l'œil emmènent, ils emmènent la peinture. Ensuite, je fais les corrections nécessaires, j'ajuste comment doit être le rythme selon cela. Donc tout se passe directement sous les ordres de mes sentiments.

Ce déchirement pourrait-il venir de l'enfance ?

Je viens d'une famille patriarcale. Je suis la fille d'un père autoritaire. Je ne suis pas quelqu'un qui sait se disputer. Les choses que je veux déchirer, briser et mettre en pièces à l'intérieur, je les mets en pièces ici, sur la toile. Ce sont des traces qui restent de l'enfance ; peu importe combien vous grattez, elles restent là comme une tache.

Cyclicité et Symbolisme : Formes qui s'Élèvent vers le Ciel

Vous croyez en la cyclicité. Comment transposez-vous cela dans vos peintures ?

Rien ne se perd dans le monde. Cela va vers le ciel, se déforme, subit des changements et revient vers nous. Quelque chose tourne entre la terre et le ciel, comme l'âme, comme sa purification. J'essaie de saisir ce cycle dans mes peintures. Il y a des Freud dedans, il y a des diables, il y a des guerres... Tout y est.

L'Absence de Titre : L'Espace Laissé au Spectateur

La grande majorité de vos œuvres portent le titre 'Sans titre'. Pourquoi ?

C'est un vide conscient. Ne pas donner de titre à une œuvre, c'est ne pas orienter le spectateur. Comme je travaille dans l'abstrait, l'œuvre est l'état d'âme qui vient frapper là-bas et vous arrive. Notre état d'âme change tout le temps. Parfois une couleur chaude nous plaît beaucoup, parfois nous nous perdons dans une couleur froide. Puisqu'il change, je n'ai pas voulu enfermer l'œuvre dans un nom.

Depuis 1997, vous dirigez un atelier sans interruption. Quelle est la chose la plus fondamentale que vous transmettez à vos élèves ?

Vous serez originaux, vous serez sincères et vous serez honnêtes envers votre travail. Vous produirez un travail que vous accrocherez dans votre propre maison. Je ne permets pas qu'un travail bâclé sorte d'ici. Il faut aussi voir ce processus comme l'aventure d'un effort de 30 ans. L'expérience accumulée au fil des années, l'énergie des élèves qui sont passés par l'atelier et le désir de créer ont transformé ce processus d'un simple espace d'éducation en un environnement vivant de partage et de développement. Chaque nouveau travail, chaque nouvel élève et chaque nouvelle idée ont été de petits mais précieux pas rappelant que ce voyage continue.
Aujourd'hui, en regardant en arrière, ce processus peut être vu non seulement comme l'histoire de la production d'œuvres ; mais aussi comme l'histoire d'un voyage de réflexion commune, d'apprentissage et de croissance avec la sincérité de l'art.

Comment l'enseignement a-t-il nourri votre art ?

Je suis quelqu'un avec une empathie très élevée. J'aime entrer dans les esprits et y créer l'art. Après trois cours, je comprends dans quelle voie marchera un élève. Tout le monde a une histoire à raconter, un goût. Je reconnais cette personne et je trace une voie selon elle. À chaque fois, je réussis ; l'élève dit 'C'est ce que je cherchais' et l'emporte en courant.

Comment maintenez-vous ce lien si durable ?

La peinture et l'art sont infinis. Il faut se promener dans l'infini. Chaque jour est un nouveau jour, chaque jour une nouvelle lumière. Chaque jour une partie de nous fait mal, chaque jour nous voyons un peu plus beau. Tout cela peut être matériau pour la peinture. Je répands autour de moi ce que je vis, ce que je vois ; ces choses que je répands ne me quittent pas non plus.

Technique : Quand un Travail se Termine-t-il ?

La texture de la peinture est très forte dans vos œuvres. Comment travaillez-vous sur la toile ?

Ceci est un atelier de trente ans ; tout ce qui concerne la peinture est ici. De la technique d'effacement aux variétés de textures, de la technique de glacis aux bases. Aquarelle, peinture à l'huile, acrylique... Mais ici, un travail sort d'une seule personne, un seul travail. Le travail de chacun lui est propre.

Comment comprenez-vous qu'un travail est terminé ?

Je regarde trois choses. Premièrement, si l'équilibre clair-sombre-moyen est correct. Deuxièmement, si les éléments qui doivent ressortir ressortent suffisamment. Troisièmement, s'il reste quelque chose à ajouter dessus. Si c'est zéro, c'est fini. Les trois doivent être ensemble.

Entre Abstrait et Concret : À la Poursuite de l'Originalité

Vous utilisez un langage abstrait mais il y a des traces de nature, de tissu, de formes organiques dans vos œuvres. Comment équilibrez-vous cela ?

Dans la peinture abstraite, la profondeur, l'effet de la couleur et le battement au cœur sont très importants pour moi. Dans les transitions des couleurs les unes vers les autres, les mouvements des formes naturelles dans leur propre intérieur m'aident. Le mouvement du tissu dans son propre intérieur, son déroulement en vagues... Si je peins de manière plate, cela ne se passe pas comme ça, je ne le veux pas. Quand c'est comme ça, mes sentiments arrivent : tantôt en bas, tantôt en haut. L'art pictural est un art bidimensionnel mais moi, j'y cherche la troisième dimension. Plus cela va vers l'arrière, plus il y a de plans, plus c'est précieux pour moi.

Une de mes œuvres de chevet que la profondeur de mes longues réflexions et de mon labeur a fait émerger

Comment vos expériences à l'étranger ont-elles façonné votre conception de l'originalité ?

Je vais en Amérique depuis 2004. J'ai visité le LACMA, Norton Simon, tous les musées de San Diego. J'ai examiné un par un de l'art esquimau à l'art indonésien, de l'art africain à l'art chinois et japonais. Après ces examens, j'ai compris que la chose la plus importante était d'être original. Avoir un style est très important et j'essaie de préserver ce style, même si parfois je m'ennuie.

Galerie et Marché de l'Art : Une Expérience Amère

En 1996, vous avez fondé la galerie Pura Art à Caddebostan. Qu'est-ce qui vous a poussée à franchir cette étape ?

J'ai obtenu mon diplôme avec une thèse de master de 250 pages : 'Les Facteurs qui Orientent l'Art Pictural Turc Contemporain.' Mon professeur a dit que chaque chapitre de cette thèse pourrait être une thèse de master à part entière. Pour mettre en pratique ces connaissances, je me suis lancée dans la galerie. J'ai fait huit expositions cette saison, j'ai organisé des expositions pour des noms précieux de Basri Erdem à Hamit Görele.

L'art pour moi est un domaine magique et paradisiaque dans lequel on vit. 

La Rivière de l'Art : Plus de Grands Navires

Un nouveau mouvement artistique peut-il encore émerger ?

Je pense que ce n'est plus possible. Dans le monde numérique, tout le monde voit ce que font les autres et fait quelque chose de légèrement différent. Pensez à de l'eau qui coule dans une grande rivière : autrefois, de gros navires naviguaient, on les suivait de loin. Ces navires étaient des mouvements. Maintenant ce n'est plus pareil ; de petites petites choses, des morceaux de quinze secondes, six secondes passent et s'en vont. Du nouveau sort, disparaît et s'en va. L'époque des grands navires est terminée. L'important est de pouvoir saisir ce qui est différent de ce qui a été fait.

L'Art à l'Ère Numérique : Trouver sa Valeur

Comment regardez-vous le partage et la vente d'art sur les plateformes numériques ?

De nos jours, il n'est guère possible de s'éloigner du numérique. J'applaudis celui qui sait bien faire. Mais être visible partout, sortir... C'est comme tomber dans ce piège. Il ne faut pas négliger l'art. Je ne rejette pas le numérique, mais je veux qu'il trouve sa valeur. La valeur de l'art ne doit pas être usée, diminuée.

Qu'est-ce qui Déclenche le Premier Pas ?

Qu'est-ce qui vous met en mouvement quand vous commencez un nouveau travail ?

La couleur. Ce qui met toujours en mouvement en premier, c'est la couleur. Ensuite, l'esprit se retire. Il ne reste que la main et l'œil. Je traverse la toile, il n'y a ni pomme ni rien ; les émotions commencent et la peinture commence à se faire.

© Collecist – Découvrez l'art ici. collecist.com